LOS ESPACIOS DEL SILENCIO (Mª del Carmen Gárate García)
Mari Carmen Gárate García, la poetisa madrileña autora de este poema, es colaboradora de la revista literaria AGUAMARINA; ha colaborado también con LEA y RASCAMAN. Tiene en su haber varios premios entre los que se cuenta el 2º Premio de Poesía Fecace y el Premio de Poesía del Foro de Minorías de Villaverde Alto. Se confiesa admiradora de toda la Generación de los 50, en especial de Ángel González, de Clara Janés, Ada Salas, Luis García Montero y un amplio grupo de poetas que abarca todas las etapas de este arte.
El poema que recojo pertenece al poemario LOS ESPACIOS DEL SILENCIO.
Otras obras suyas son APERTURAS EN LA LUZ, CANTOS DE SIRENAS, PERFILES DE ILUSIONES, ROSAS SOBRE LA ESCARCHA Y LATIDOS DE OTOÑO.
Omito los datos que aparecen claramente en la imagen. Este libro tiene un enfoque pedagógico, no clínico. En él se ofrecen unos programas de intervención para desarrollo del lenguaje avalados por la experiencia de los autores en el tratamiento de niños con dificultades especiales.
Consta de cuatro apartados. En el primero se habla de la adquisición del lenguaje oral y sus alteraciones, de una forma teórica: se ofrece una concepción interactiva de los trastornos del lenguaje, se detalla brevemente y de una forma clara y concisa en qué consiste cada uno de esos trastornos y se nos dan a conocer los principios metodológicos de la intervención.
Toda la segunda parte está dedicada a la presentación de un modelo pedagógico interactivo que tiene en cuenta tres niveles de intervención sobre el lenguaje: la estimulación reforzada y sistematizada, los ejercicios funcionales y los ejercicios dirigidos.
La presentación del modelo está apoyada por imágenes, cuadros y esquemas explicativos que facilitan su comprensión.
En la tercera parte encontramos dos anexos muy interesantes el primero de los cuáles versa sobre los sistemas aumentativos y alternativos de comunicación; en el segundo se nos ofrece material de trabajo muy bueno.
Por último, podemos encontrar en este completísimo libro una estupenda bibliografía.
Es una obra muy recomendable, especialmente para personas que, sin ser especialistas, tienen que aprender a trabajar con niños que presentan dificultades en el aprendizaje del lenguaje oral, ya que se trata de un libro enfocado a la práctica, claro y que ofrece materiales muy válidos.
Este post no es más que un comentario extenso al titulado por Canichu NOTICIA 141ª DESDE EL BAR: LOS COMUNEROS, en su blog NOTICIAS DE UN ESPÍA EN EL BAR, con fecha 1 de septiembre. (Su lectura, imprescindible para tener una idea clara y precisa de quiénes eran los Comuneros, de los motivos de la revuelta y de su fin)
Algunos datos biográficos: Juana de Castilla, más conocida como Juana la Loca, nació el 6 de noviembre de 1479, hija de los Reyes Católicos. Por ser la tercera de los hermanos y existir uno varón, no estaba destinada en principio a ser Reina. En 1496 contrae matrimonio con Felipe el Hermoso, del que enviuda a los veintiseis años después de darle seis hijos, la menor de ellos, Catalina, póstuma. Debido a la muerte de quienes la precedían en el orden sucesorio, a la muerte de su madre, Isabel la Católica, acaecida en noviembre de 1504, automáticamente queda convertida en Reina de Castilla. A la muerte de su esposo, que era el monarca que verdaderamente gobernaba el Reino, su propio padre, Fernando el Católico, amparándose en las muestras de insania mental que había dado la joven Reina, la confina en Tordesillas; es el año 1509. Juana de Castilla vivirá allí en condiciones inhumanas incluso, hasta el día de su muerte (12 de abril de 1555). Cuarenta y seis años de cautiverio.
Los Comuneros y doña Juana: cuando en 1520 estalla definitivamente la revuelta comunera, doña Juana llevaba ya once años de reclusión y por entonces era el jefe de su Casa el Marqués de Denia, hombre de la entera confianza de Carlos I, pero un verdadero carcelero para la Reina. Ésta atravesaba un periodo de cierta lucidez con atisbos manifiestos de querer volver a la vida activa, cosa que el Marqués y el propio Carlos I veían con inquietud. Por su parte, los Comuneros, que no querían derrocar la Monarquía (algo impensable en esos momentos históricos) deseaban entrevistarse con doña Juana, porque a la figura del Rey extranjero que para ellos era el hijo querían oponer la figura de quien para ellos era la legítima Reina propietaria de Castilla (términos de la época). En agosto tuvo lugar una primera entrevista entre doña Juana y Juan de Padilla, yerno del conde de Tendilla y uno de los cabecillas comuneros. Tras ella, se sintieron respaldados por las palabras de la Reina. En septiembre, la Junta Santa tiene una audiencia con ella, la primera; el procurador comunero, doctor Zúñiga, profesor que era de la Universidad de Salamanca, toma la palbra y proclama que doña Juana es la única Reina soberana, apartada de sus funciones regias, y que los Comuneros la reconocían como tal y la restauraban en sus funciones; hasta ahí, todo iba bien para ellos, tenían a doña Juana de su parte, pero a lo que no estaba dispuesta era a aceptar era el relegar a su hijo Carlos a su condición de Príncipe Heredero. La Reina quería tomar parte activa en la política del Reino para mejorar la triste situación en que éste estaba sumido, pero no a costa de su hijo. Si ella tomaba el poder con firmeza, eso era lo que sucedería, porque los Comuneros no admitirían la existencia de dos Reyes en Castilla. Ante este planteamiento, doña Juana se negó a ratificar con su firma los acuerdos de la Junta. Y esa fue una de las razones del fracaso del alzamiento comunero.
Para conocer más datos sobre la Reina doña Juana y sobre los Comuneros, recomiendo dos libros que me han ayudado a redactar este comentario: JUANA LA LOCA, LA CAUTIVA DE TORDESILLAS (Manuel Fernández Álvarez) y LA REVOLUCIÓN DE LAS COMUNIDADES DE CASTILLA (1520-1521), obra de Joseph Pérez.
Durante 37 años (de 1947 a 1984) el consultorio de Elena Francis fue el programa más escuchado de la radio española. Se creó como consultorio estético patrocinado por la marca de cosméticos de ese nombre y para promocionar sus productos, pero pronto se convirtió en un consultorio sentimental. Elena Francis, el personaje, nunca existió, le ponía voz la locutora de Radio Nacional Maruja Fernández. Tras el nombre de Elena Francis estaba un equipo de redactores de Radio Nacional hasta 1966, año en que se encargó de la redacción de los consejos el periodista Juan Soto Viñolo. El programa fue todo un fenómeno social. Y los contenidos de las consultas, dignos muchos de ellos de un culebrón. Hoy día nos parecerían de una ingenuidad increíble, pero situándolas en su contexto social, en el momento en que fueron hechas esas consultas, no lo eran. Lo que sí dejaban patente era una cosa: la necesidad urgente de educar sexualmente a los españoles, y, sobre todo, a las españolas.
Nacida el 26 de abril de 1888 en California, esta escritora y guionista de casi un centenar de películas comenzó a trabajar en los años diez para la Biograph Pictures como argumentista y guionista; colaboró con David Griffith en "The New York hat" (1912) e "Intolerancia" (1916) Después se convirtió en la guionista habitual de las películas de Douglas Fairbanks Sr. y de las dirigidas por su segundo marido, John Emerson. Trabajó para el cine desde la época del mudo hasta los años cuarenta y a ella se deben títulos como La pelirroja, San Francisco, Saratoga , Mujercitas (versión de Cukor) y I married an angel, la última película en la que trabajó (1942). Pero su obra más conocida y de mayor fama es Los caballeros las prefieren rubias, novela escrita en 1924, publicada primero por entregas y luego en forma de libro con un éxito enorme, adaptada al cine para la Paramount en 1928, versión que pasó inadvertida para el gran público, y de nuevo en 1953, esta vez con guión de Charles Lederer, para la 20th, dirigida por Howard Hawks y protagonizada por Marilyn Monroe y Jane Russell.
En 1942, Anita Loos abandonó el cine y se dedicó a la literatura y al teatro. Murió en 1981 y nos dejó dos libros de memorias,UNA CHICA COMO YOy ADIÓS A HOLLYWOOD CON UN BESO.
La obra y la vida del caricaturista barcelonés Luis Bagaría (1882-1940) aparece hoy íntimamente ligada a algunas de las empresas periodísticas más importantes de los últimos años de la Restauración. Pero el dibujante no fue sólo el distintivo gráfico del semanario España o el diario El Sol. Hombre esencialmente político, Bagaría no se limitó a aplicar la capacidad de penetración del humor gráfico para aclarar el desarrollo del mundo contemporáneo, también quiso influir en el curso histórico de los acontecimientos mediante el poder de la imagen caricaturesca. Uno de los propósitos de este estudio es analizar las distintas funciones políticas que cobraron sus viñetas desde el estallido de la Primera Guerra Mundial hasta los últimos días de la Segunda República española. Además de este análisis, el presente libro desea ponderar la contribución de Bagaría a la renovación plástica española. Hijo del rico y agitado mundo cultural barcelonés de fin de siglo, el periodista catalán no sólo introdujo en Madrid la caricatura sintética, sino también un espíritu inquieto y renovador que vivificó el panorama artístico de la capital.
Curiosidades lingüísticas: BUSCARLE TRES PIES AL GATO
Esta curiosa expresión equivale a buscar respuestas o soluciones rebuscadas mediante reflexiones y sospechas sin demasiado fundamento. Es una derivación de la expresión original, que era “buscar cinco pies al gato”, modismo que todavía se usa así en algunas zonas geográficas, y cuya procedencia data de la antigua costumbre de agarrar a los gatos por la cola, considerada como el quinto pie.
Rodríguez Marín en su Edición crítica del Quijote, cita el testimonio de Correas; dice que esta frase proverbial significa “buscar ocasión de pesadumbre y enojo”, y añade:“Más corriente ha sido decir cinco pies, y parece más propio: lo uno, porque hallar tres pies a quien tiene cuatro es cosa fácil y nada ocasionada a pendencias, mientras que hallarle cinco es imposible; y lo otro, porque solía añadirse: y no tiene sino cuatro, y aún esta otra coletilla: no, que son cinco con el rabo”.
Amorosa Betty, repartiendo besos a todos aquell@s (ell@s saben quiénes son) que la han soportado durante estos días. A aquell@s que le han tendido el puente de las palabras y de la amistad para que cruzara desde la orilla oscura. Gracias a vosotr@s Betty volvió esta vez. Besos, besos, besos....
Mujeres interesantes: ANNA DE NOAILLES, REINA INTELECTUAL DE LA BELLE ÉPOQUE
Anna-Elizabeth de Brancovan, condesa de Noailles, escritora y reina intelectual de los salones de París hasta la llegada de la Gran Guerra europea, nació en la capital francesa en 1876, en una familia de antiguos linajes griegos y rumanos. Crece en un ambiente de preocupación artística y formación literaria y poética; lectora asidua y apasionada sobre todo de poesía y novela. Condesa por su matrimonio con Mathieu de Noailles, se interesó también por la política de una f orma comprometida y valiente. Tuvo un largo romance con el ideólogo Maurice Barrès. Fue admirada como mujer y como escritora por muchos intelectuales de la época, como Daudet, Paul Valéry, Jean Cocteau, François Mauriac, Pierre Lotti, Francis Jammes, Enrique Larreta; conoció y trató a escritores como D'Annunzio, Rilke, Rostand, Tagore, Marcel Proust... A su muerte, acaecida en 1937, había recibido los máximos honores públicos de Francia y era miembro de la Real Academia Belga, siguió escribiendo hasta el último día.
OBRAS DESTACADAS
1901 Le Coeur innombrable 1902 L'ombre des jours 1903 La Nouvelle Espérance 1904 Le Visage émerveillé 1905 La Domination 1907 Les Eblouissements 1913 Les Vivants et les Morts
1913 De la Rive d'Europe à la rive d'Asie 1920 Les Forces Eternelles 1921 A Rudyard Kipling 1922 Discours à l'Académie belge 1923 Les Innocentes ou la sagesse des femmes 1924 Poème de l'Amour 1926 Passions et Vanités
1927 L'Honneur de souffrir 1929 Poèmes d'Enfance 1930 Choix de Poésies
1932 Le Livre de ma Vie 1933 Derniers Vers 1934 Derniers Vers et Poèmes d'Enfance
Cabe destacar también la edición en 1994 de la CORRESPONDANCE 1901-1923 Anna de Noailles - Maurice Barrès (Editions L'Inventaire)
En la sección de enlaces de este blog, en los correspondientes a Rincón Creativo, he colocado uno correspondiente a un fotoblog llamadoAL OTRO LADO DE LA RETINA, imprescindible para quienes gusten del arte de la fotografía y para todos aquellos que sepan apreciar la belleza captada a través de una cámara. Las fotos son de variada temática y relizadas con técnicas diversas en las que no entro por ignorancia. Además, a veces las acompaña de textos literarios de consagrados o propios (estupendos también) Para ser completamente sincera, he sido incapaz de elegir una sola entre tantas para ilustrar este post. Finalmente he colgado una de las que más comentarios ha suscitado. Vedlo vosotros mismos.
Oscar Fingal O’Flahertie Wills Wilde nació el 16 de octubre de 1854, en Dublín y estudió en el Trinity College de esa ciudad. De joven solía participar en las reuniones literarias organizadas por su madre. Más tarde, mientras estudiaba en la Universidad de Oxford, destacó en el estudio de los clásicos y escribió poesía; su extenso poema Ravenna ganó el prestigioso premio Newdigate en 1878, y convirtió el estilo bohemio de su juventud en una filosofía de vida. En Oxford, recogió la influencia de innovadores estéticos como los escritores Walter Pater y John Ruskin. De carácter excéntrico, el joven Wilde llevaba el pelo largo y vestía pantalones de montar de terciopelo. Su habitación estaba repleta de objetos de arte y elementos decorativos, como girasoles, plumas de pavo real y porcelanas chinas. Sus actitudes y modales fueron repetidamente ridiculizados en la publicación satírica Punch y en la ópera cómica de Gilbert y Sullivan Paciencia. A pesar de ello, su ingenio y su talento le hicieron ganar innumerables admiradores. Su primer libro fue Poemas (1881), y su primera obra teatral, Vera o los nihilistas (1882), se representó por primera vez en Nueva York, ciudad en la que el autor se encontraba por entonces, de paso en una larga gira de conferencias por los Estados Unidos. Tras ella, se estableció en Londres y, en 1884, se casó con una mujer irlandesa muy rica, Constance Lloyd, con la que tuvo dos hijos. A partir de entonces, se dedicó exclusivamente a la literatura. En 1895, en la cima de su carrera, se convirtió en la figura central del más sonado proceso judicial del siglo, que consiguió escandalizar a toda la mojigata clase media de la Inglaterra victoriana. Wilde, que había mantenido una íntima amistad con lord Alfred Douglas, fue acusado por el padre de éste, el marqués de Queensberry, de sodomía. Se le declaró culpable en el juicio, celebrado en mayo de 1895, y, condenado a dos años de trabajos forzados; salió de la prisión arruinado material y espiritualmente. Pasó el resto de su vida en París, bajo el nombre falso de Sebastian Melmoth. Se convirtió al catolicismo el 30 de noviembre de 1900, poco antes de morir de meningitis. Entre sus primeras obras se cuentan dos colecciones de historias fantásticas, escritas para sus hijos, El príncipe feliz (1888) y La casa de las granadas (1892), y un conjunto de cuentos breves, El crimen de lord Arthur Saville (1891). Su única novela, El retrato de Dorian Gray (1891), es una melodramática historia de decadencia moral, que destaca por su brillante estilo epigramático. Aunque el autor describe todo el proceso de la corrupción del protagonista y, a través del sorprendente final, defiende la lucha contra la degradación moral, los críticos de su tiempo continuaron considerándole un inmoral. Las obras teatrales más personales e interesantes de Wilde fueron las cuatro comedias El abanico de lady Windermere (1892), Una mujer sin importancia (1893), Un marido ideal (1895) y La importancia de llamarse Ernesto (1895), caracterizadas por unos argumentos hábilmente entretejidos y por sus ingeniosos diálogos. A pesar de su escasa experiencia dramática, consiguió demostrar un talento innato para los efectos teatrales y para la farsa, y aplicó a estas obras algunos de los métodos creativos que solía utilizar en sus restantes obras, como las paradojas en forma de refrán inverso, algunas de las cuales han llegado a hacerse muy famosas: “Experiencia es el nombre que cada uno da a sus propios errores” o “¿Qué es un cínico? Una persona que conoce el precio de todo y el valor de nada”. En contraste con sus comedias, Salomé es una obra teatral seria sobre la pasión obsesiva. Originalmente escrita en francés, la estrenó en París en 1894 la reconocida actriz Sarah Bernhardt. Despues, el compositor alemán Richard Strauss compuso una ópera homónima basada en ella. Lord Alfred Douglas la tradujo al inglés, en 1894, y el artista Aubrey Beardsley la ilustró. En la cárcel, Wilde escribió De profundis (1895), una extensa carta de arrepentimiento por su pasado estilo de vida. Algunos críticos la han considerado una obra extremadamente reveladora; otros, en cambio, una explosión sentimental muy poco sincera. La balada de la cárcel de Reading (1898), escrito en Berneval, Francia, muy poco después de salir de prisión, y publicado anónimamente en Inglaterra, es uno de sus poemas más poderosos. En él retrata la dureza de la vida en la cárcel y la desesperación de los presos, con un lenguaje bello y cadencioso. Durante muchos años, el nombre de Oscar Wilde sobrellevó el estigma impuesto por la puritana sociedad victoriana. En la actualidad, el artista que se esconde tras ese nombre ha sido reconocido como un brillante crítico social, y sus obras mantienen una vigencia universal
«¿Temes lo que puede traerte el mañana? No te adhieras a nada, no interrogues a los libros ni a tu prójimo. Ten confianza; de otro modo, el infortunio no dejará de justificar tus aprehensiones. No te preocupes por el ayer: ha pasado... No te angusties por el mañana: aún no llega... Vive, pues, sin nostalgia ni esperanza: tu única posesión es el instante.»
Este precioso poema es del poeta Omar Ibn Ibrahim Khayyam nacido en Nichapur, Persia, hacia el año 1040 de la era cristiana, y vivió cerca de ochenta años. Libertino, sibarita, ácido, místico y profeta, estudió Matemáticas y Astronomía, reformó el calendario musulmán, cultivó el Derecho y las Ciencias Naturales, pero todo le resultó insuficiente a la hora de resolver el misterio del Universo, las pasiones humanas y la existencia misma. Se destacó en el plano de las letras por sus famosas «Rubaiyat»,que constituyen una alabanza al brindis, una enorme plegaria fragmentada en estrofas que remiten a la celebración del vino y del goce del instante frente a la finitud de la vida.
Una vez más, gracias a Canichu por ayudarme a descubrir cosas nuevas, tan interesantes e incluso, como en esta ocasión, tan hermosas.
Capítulo AGRADECIMIENTOS o POR QUIÉN ESTE BLOG ES ESTE BLOG
Ley antitabaco; exageraciones administrativas e incluso penales que a mí, no fumadora, me indignan. Decido dar rienda suelta a mi colosal cabreo crendo un blog en el que poder escribir todo lo que pienso al respecto, lo cual significa exactamente "para protestar", aunque nadie me lea. Así nació Mimismidad. Anónima/Milindris fue la primera en saberlo. Empecé a divertirme con lo del blog y ella también haciendo comentarios. Si ella y yo no nos hubiéramos divertido con esto, habría desistido del empeño. La verdadera alma de este blog, pues, es Anónima/Milindris, sin ella no exisitirían ni Mimismidad ni Cajón Desastre. Eso sin entrar en el terreno personal, porque ahí son ya innumerables las cosas que tengo que agradecerle y este espacio no se creó como un diario. Y ahora, después de no sé cuántos meses y cuántos post, hago extensivo mi agradecimiento a todos los amigos que me leeis y a los que leo, y de los cuales todos los días aprendo.
Oscar Niemeyer, a sus 98 años, es el decano de los arquitectos en activo. La edad no ha podido con él, con su creatividad, son sus ganas de seguir trabajando en lo que le gusta, ni con su amor por la vida. Nacido en 1907, se convirtió en arquitecto en 1934. Rechazó desde el principio la arquitectura comercias y trabajó gratis en el estudio de Lúcio Costa y Carlos Leao, con ellos colaboró en el diseño del Ministerio de Educación y Salud. Gracias a ello conoció a Le Corbusier y viajó a Estados Unidos para participar en la construcción del Pabellón de Brasil en la Feria Mundial de Nueva York. A finales de los años 30, Juscelino Kubitschek, futuro presidente de Brasil, le encarga la construcción del distrito de Pampulha, en Belo Horizonte (era entonces alcalde de esta ciudad). Después participó en el proyecto arquitectónico de la sede de la ONU en Nueva York. Tras proyectar el edificio Copan (Sao Paulo) en 1951, se consolidó como una personalidad única en la arquitectura mundial. En pleno auge de su prestigio, Kubitschek le encargó los principales edificios de Brasilia, la nueva capital de Brasil. En su país desarrolló proyectos emblemáticos como el Sambódromo de Río de Janeiro, el Memorial de América Latina de Sao Paulo, o el Museo de Arte Contemporáneo de Niterói. Fuera de Brasil llevó a cabo obras como el Museo de Arte Moderno de Caracas, la sede del Partido Comunista Francés, la de la Editorial Mondadori, la mezquita de Argel o el Centro Cultural de Le Havre. En la actualidad, Niemeyer desarrolla el Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer, que donó a la Fundación Príncipe de Asturias y que es su mayor proyecto en Europa. Tiene en su haber el Premio Pritzker de 1988 (algo así como el Nobel de Arquitectura) y el Príncipe de Asturias del año 89. Es autor de más de quinientas obras construidas en todo el mundo.
Sus principios arquitectónicos: la curva. Él lo define así: "Lo que me atrae es la curva libre y sensual. La curva que encuentro en las montañas de mi país. En las olas del mar. En el cuerpo de la mujer preferida. De curvas está hecho el universo"
Mujeres interesantes. Las mujeres de Carlos V: MARGARITA DE SABOYA
El papel de Margarita de Austria será determinante en la educación de su sobrino Carlos I. Margarita era hija del emperador Maximiliano I y María de Borgoña, educándose desde 1482 en la corte francesa ya que se había concertado su matrimonio con el delfín, futuro Carlos VIII de Francia. La boda obedecía a las ansias del emperador por acercarse a los franceses, proyecto que no se llevará a cabo. Maximiliano decidió entonces dar un giro a su política exterior y se acercó a los Reyes Católicos con el fin de aislar a Francia. En esta línea se diseñó un doble enlace matrimonial: Margarita casaría con el príncipe Juan, heredero de la Corona española, y Felipe con Juana. En el trayecto entre Flandes y España, la expedición que traía a la futura reina sufrió una fuerte tormenta, pensando incluso en el naufragio. Para que su cadáver fuera reconocido si se producía el hundimiento del barco, escribió en una tablilla la siguiente leyenda: "Aquí yace Margarita, gentil damisela, dos veces casada y muerta doncella". Hacia referencia a los dos intentos de matrimonio que se habían efectuado, ninguno consumado. Afortunadamente la joven reina llegó a su destino y la boda se pudo celebrar en Burgos, en 1497. Este enlace apenas duró seis meses ya que el príncipe Juan fallecía en Salamanca poco después de la boda. Se achacó la muerte del príncipe a su fogosidad sexual, manifestando en alguna ocasión la propio Isabel su rechazo a esta conducta. Sin embargo, es bastante probable que don Juan muriera víctima de la tuberculosis. Viuda, Margarita vuelve a Flandes donde se proyecta un nuevo matrimonio. En 1501 casará con el duque Filiberto II de Saboya que fallecerá tres años después. De regreso a Flandes, Margarita se dedicará al cuidado y la educación de su sobrino Carlos mientras ejerce como regente de los Países Bajos (1507-1515). La muerte de Fernando el Católico en 1516 hace que Carlos sea nombrado rey de Castilla y Aragón. El futuro emperador confiará en Margarita como gobernadora de los Países Bajos en las próximas décadas, realizando una importante labor al modernizar la administración del territorio, contando con la colaboración de los importantes grupos de presión de la zona. Siempre apoyó a su sobrino en la política antifrancesa, siendo la protagonista de la firma del Tratado de Cambray (1529) entre Carlos I y Francisco I. Su muerte en 1530 dejará un importante vacío difícil de superar.
Curiosidades lingüísticas: DEL BOCADILLO AL SANDWICH
John Montagu (1718-1792) cuarto conde de Sandwich (Inglaterra) era un jugador empedernido y pasaba muchas horas delante de la mesa de juego. Un día a la hora de la comida estaba tan metido en el juego que le pidió a su sirviente le trajera "cualquier cosa para comer ahí mismo". Al rato, el criado se presentó con una bandeja de alimentos. El conde, sin abandonar su puesto, cortó unas rodajas de "roast beef", las colocó entre rebanadas de pan, y comió el emparedado sin interrumpir el juego. Tan orgulloso se sentía lord Sandwich de su creación que no dudó en mencionarla en su testamento, como el mejor legado que dejaba a su país.
La preposición inseparable in expresa lo contrario de lo expresado con el término simple. Aquí pasa eso, ya que el término latino ops, opis significa riqueza, abundancia. Por lo que si le ponemos la preposición in delante, expresará pobreza, escasez. Eso es lo que se quiere decir de una persona cuando decimos que está en la inopia: que no tiene la atención suficiente, que está escaso en riqueza mental para comprender lo que se está hablando.
Sostenibilidad , cuidado del entorno, devolver al medio ambiente lo que cogemos de él. Un solo concepto expresado de varias formas. Todo pasa por NO MALGASTAR, NO DEPERDICIAR, NO DESCUIDAR.http://www.sostenibilidad.com/
Decálogo fácil para una vida doméstica sostenible
Evitar que entre el sol en verano y dejarlo pasar en invierno desde el inicio del día.
Reciclar. Casi todos los materiales se pueden reconvertir o reutilizar.
Elegir para los niños muebles que puedan adaptarse al cambio de necesidades que implica su crecimiento.
No tirar muebles ni ropa viejos: hay contenedores donde se pueden depositar e insitituciones y orgnanismos que los recogen.
Depositar las pilas en los contenedores adecuados. No tirar aceite por el fregadero.
Utilizar muebles multifuncionales.
Reconvertir los muebles: siempre se les puede dar un uso nuevo e insospechado.
No malgastar agua
Utilizar bombillas de bajo consumo, apagar las luces cuando no es necesario tenerlas encendidas.
Elegir maderas procedentes de bosques reforestados, barnices y pinturas no contaminantes o con proceso de fabricación menos contaminante.
Las propuestas de este decálogo sí están al alcance de todo el mundo.
Esta escultura lleva por título Ninfa; está realizada en chapa de hierro de 1,5 cms. de espesor y sus dimensiones son 66x16 cms. Está pintada a mano con laca. Es obra de Víctor Arrizabalaga, el mismo autor de Sobremesa , artista pop nacido en Baracaldo en 1957. http://clubcafeole.blogia.com/temas/el-cafe-y-el-arte.php
Esta es una lista seleccionada de las EXPOSICIONES de la obra de Victor:
1992 - Galería Vanguardia, Bilbao, España.
1994- 1997 - Galería Ederti, Bilbao
1998 - Galería Carmen Carrión, Santander, España. - Museo de Arte e Historia de Durango, Vizcaya, España.
2000 - Artexpo, Barcelona. - Arte Santander, Santander, España.
Curiosidades lingüísticas: ARREANDO, QUE ES GERUNDIO
Se suele explicar el dicho con el cuento del villano instruido:
Se dice que unos campesinos enviaron a su hijo a estudiar a Salamanca. El chico no era muy listo pero aprovechó lo que pudo. Una vez de vuelta su padre le pidió que llevase al burro de un lugar a otro, y el mozo, para demostrar cuánto había aprendido, iba gritando al pobre asno arreando, que es gerundio, para regocijo de cuántos le oían.
Fray Gerundio, el pedante y resabiado personaje de Historia del famoso predicador fray Gerundio de Campazas, alias Zotes (1758) de José Francisco de Isla, solía decir que no se debían utilizar las palabras que empezaban por arre- (como arrebatar, arreglar, arreciar...) porque sugerían tratos con acémilas y caballerías y por lo tanto devenían incultas.
Tal parece, entonces, que la expresión es una especie de chascarrillo, al juntar en una misma frase una palabra vulgar con una demostración de cultura, que además coincide con el nombre del personaje culto que desprecia el primer vocablo. Y de ahí las risas de aquellos que oían las voces del muchacho.
Las cámaras acuáticas también son para el invierno
Éste es el título de la foto que ilustra este aviso. No dejéis de visitar AL OTRO LADO DE LA RETINA . Impresionantes fotografías. Etringita se supera en cada entrega.
¡Qué a gusto llorábamos los sábados en la sobremesa viendo las vicisitudes de la entrañable y ñoña familia Ingells! Claro, que, para ser justos, también hay que reconocer que nos reíamos lo nuestro con Harriet Oleson y su cursi Nellie. Pero mi personaje favorito siempre fue el doctor Adam Baker, serio, feo, con un corazón de oro y más ciencia que el que la inventó, bueno entre los buenos. "La casa de la llorera" se dio en llamarla, con toda razón.
Posiblemente no habrá ningún fundamento científico para lo que voy a decir, pero sí me avala la experiencia: Vídeo de animación altamente estimulante para niños con necesidades educativas especiales. Para los padres de estos niños: probad a enseñárselo.
De la maravillosa Vacaciones en Roma, otro momento mágico: el periodista lleva a la princesa ante la Boca de la Verdad y finge, para susto de la ingenua Ana, que la Boca le ha devorado la mano.
La anécdota: todo fue una broma de Gregory Peck. No estaban en el guión ni el fingimiento ni el susto consiguiente. Pero quedó tan bien, que la toma se dio por buena y se incluyó en el montaje final, para delicia de todo el que vea esta agridulce y preciosa comedia.
Enamoradas nos tenían. ¡Qué hombres! ¡Qué guapos! Hasta les hicimos un par de canciones preadolescentes: "Los hombres de Harrelson qué buenos están. Street me vuelve loca, ¡qué barbaridad! T.J. está cañón; el negro, molón; Luca no se tiene de bueno que está; el teniente me va. A los cinco me voy a ligar" Nada menos que a los cinco. La otra canción es aún más boba. Pero qué gozada el lunes por la noche, (T.J., al tejado) a las diez, sentarse delante del televisor para disfrutar de los casos de S.W.A.T. de élite de la policía. Y del contrapunto humorístico que ponía Hilda, la vendedora de bocadillos. No hace mucho, repusieron a hora muy temprana la serie y tuve ocasión de ver parte de algunos episodios: por increíble que parezca, los recordaba al detalle. Era una serie estupenda que lo tenía todo: acción, humor, amor, y hombres guapísimos.
Gilda no es mala, Gilda es el pecado de la carne hecho mujer. A Gilda sólo le mueven dos emociones: el amor y el odio. Pero ambos con una pasión inusual, desmesurada. Una combinación peligrosa a la que se une el despecho. Por despecho, Gilda finge ser lo que no es. Por despecho, Gilda se dedica a enloquecer de deseo a todo varón que la mira lujurioso. Gilda no es mala. Gilda sólo es una mujer de emociones concentradas que por despecho finge serlo. Gilda es toda corazón: ama y odia hasta el extremo. Y el objeto de esas tres emociones eje de sus actos es Johnny Farrell, la horma de su zapato. La famosa bofetada... Qué relación la de estos dos personajes...
A Gilda la convirtió en mala el concepto de pecado de los censores de postguerra. Y la convirtieron en un mito erótico. Pero hoy, más allá del mito y de la lujuria, Gilda sería una pobre mujer enamorada que sufre en la misma medida que hace sufrir.
Bellísima Gilda, pecadora, incitadora al pecado de la lujuria, Gilda eterna , yo te comprendo.
Un post para "iniciados" . TE HE PROMETIDO, de Leo Dan, año 1971. Romántico, romántico, romántico. Un novio despechado y un anuncio de infelicidad. El argentino lo bordó. Cuántas fiestas de adolescencia amenizadas por el sentimentalismo de esta canción... Algunos acentos forzados, pero eso qué importa....
TE HE PROMETIDO
Te he prometido que te he de olvidar cuanto has querido yo te supe dar
solo y herido así me dejas sabiendo que mañana irás con otro al altar.
Llorarás, llorarás por tu capricho si yo sé que es a mí a quien querés
no podrás ser feliz con ningún otro pues conmigo conociste el amor sí el amor sí el amor.
Te he prometido que te he de olvidar cuanto has querido yo te supe dar solo y herido así me dejas sabiendo que mañana irás con otro al altar.
Llorarás, llorarás por tu capricho si yo sé que es a mí a quien querés
no podrás ser feliz con ningún otro pues conmigo conociste el amor sí el amor sí el amor.
Litografía y Collage Obra Gráfica de Edición Limitada de Christo, reconocido artista nortemaericano de origen búlgaro, cuyos sus objetos envueltos son algunos de los ejemplos más extremos del arte conceptual moderno.
Entre 1951 y 1956 estudia en la Academia de Bellas Artes de Sofía y en 1957 se traslada a París, donde comienza a empaquetar pequeños objetos (botellas, revistas...) que con el tiempo adquieren mayor tamaño llegando a empaquetar una costa australiana y famosos edificios, también tapiza paisajes con azafrán o con sombrillas.
Alcanza la fama con sus últimos trabajos que empaquetan temporalmente edificios enteros u objetos de gran tamaño. Algunas de sus obras son las Surrounded Islands, Valley Curtain, Biscayne Bay, Florida (Islas rodeadas, 1982), The Pont New Wrapped. En 1995 empaquetó el Reichstag, en Berlín.
Christo introduce elementos absolutamente inusuales en el paisaje o llama la atención sobre el anonimato que la sociedad concede a sus edificios y monumentos.
Su obra se encuentra en las más prestigiosas COLECCIONES y MUSEOS internacionales, entre ellos:
Akron Art Museum, Ohio, USA Art Gallery of New South Wales, Sydney, Australia Australian Museum, Sydney, Australia Basil and Elise Goulandris Museum of Modern Art, Andros, Grecia Bayerische Steatsgemäldesammlungen, Neue Pinakothek, Munich, Alemania Berlin-Museum, Berlin, Alemania Centre Canadien d’Architecture, Montréal, Canada Centre National d'Art et de Culture Georges Pompidou, Paris, Francia Deutsches Architektur Museum, Frankfurt Am Mein, Alemania Fukuoka Art Museum, Fukuoka City, Japón Galleria degli Uffizi, Florence, Italia Henie-Onstad Kunstsenter, Høvikodden, Noruega Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Japón Ho-Am Museum, Yongin-Gun, Kyunggi-Do, Korea Hugh Lane Municipal Gallery of Modern Art, Dublin, Irlanda Kunst Museum der Stadt Bonn, Bonn, Alemania Kunstgewerbemuseum Der Stadt, Zürich, Suiza Kunsthalle Hamburg, Alemania Los Angeles Museum of Contemporary Art, California, USA Moderna Museet, Stockholm, Suecia Musée d'Art Contemporain de Montréal, Canada Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Brussels, Belgica Museum Boymans Van Beuningen, Rotterdam, Holanda Museum des 20 Jahrhunderts, Vienna, Austria Museum of Modern Art, San Francisco, California, USA Museum of Contemporary Art, Teheran, Iran Nationalgalerie, Berlin, Germany National Gallery of Art, Washington, D.C., USA National Museum of Art, Osaka, Japan Neue Galerie Der Stadt Linz, Wolfgang Gurlitt Museum, Linz, Austria Philadelphia Museum of Art, Pennsylvania, USA San Diego Museum of Art, San Diego, California, USA Stedelijk Museum, Amsterdam, Holanda The Art Institute of Chicago, Illinois, USA The Chrysler Museum, Norfolk, Virginia, USA Detroit Institute of Arts, Michigan, USA Israel Museum, Jerusalem, Israel Metropolitan Museum of Art, New York, USA Museum of Fine Arts, Houston, Texas, USA Museum of Modern Art, New York City, USA Tate Gallery, London, England Victoria and Albert Museum, Londres, Reino Unido Whitney Museum of American Art, New York City, USA
Curiosidades lingüísticas: PONERLE EL CASCABEL AL GATO
Este dicho, que refiere la importancia de los más débiles a la hora de tomar decisiones arduas o importantes, fue popularizado por el famoso fabulista Félix María de Samaniego (1745 – 1801).
No obstante, el original se trata de un cuento del siglo XIV que lleva por título “De los mures con el ratón” y que dice así:
“Los mures (ratones) una vegada llegáronse a consejo et acordaron cómmo se podrían grardar del gato. Et dixo el uno qu’era mas cuerdo que los otros: atémos una esquila (cascabél) al pescuezo del gato et podernos hemos muy guardar del gato; que cuando él passare de un cabo á otro, siempre oyremos la esquila. Et aqueste conseio plugo a todos, mas dixo uno: Verdat es; más ¿quién atará la esquila al pescuezo del gato? Et respondió uno: Yo no. Respondió el otro: Yo no; que ni por todo el mundo yo non querría llegar a él...”
Fue Lope de Vega quien, con pluma magistral, popularizó los famosos versos que así rezan:
“Juntáronse los ratones, para librarse del gato, y después de un largo rato de disputas y opiniones, Dijeron que acertarían en ponerle un cascabel; que, andando el gato con él, librarse mejor podían. Salió un ratón barbicano, colilargo, hociquirromo, y encrespando el grueso lomo, dijo al senado romano, después de hablar culto un rato: “¿Quién de todos ha de ser el que se atreva a poner ese cascabel al gato?”
Entrañables: el capitán Tan, el tío Aquiles con su traje tirolés, Valentina, Poquito el payaso, Barullo, los geniales tontorrones Hermanos Malasombra (Somos malos malasombra, somos malos de verdad. Somos como una espina, que sólo sabe pinchar; y más malos que la quina). Falta Locomotoro, personaje de la primera etapa. ¡Qué momentos tan divertidos nos proporcionaron en nuestra infancia!
Pippi Calzaslargas, Pippilota para los niños soy, Pippi, Pippi Landstrum, sí señor, ésa soy yo. ¡Hey! Un día también todos vais a conocer a mi papá, que es un capitán que ahora está viviendo en Taca Tuca; me ha dejado una gran maleta llena de dinero para que lo gaste en miles de bombones y caramelos. Siempre he querido tener un papá tan irresponsable y comprensivo como el de Pippi.Pero nunca he querido tener mascotas, y menos como Míster Nilson y Pequeño Tío. Ellos, junto con Anika y Tommy eran los que conseguían que la pequeña Pippi no se sintiera sola. Una niña libre y autosuficiente, pero sola, sí señor. Pero nosotros también éramos niños y no veíamos más que la aventura y la diversión. Yo quería ser como Pippi, eso sí, sin coletas.
Curiosidades lingüísticas: DESPEDIRSE A LA FRANCESA
Esta expresión nació en el siglo XVIII, cuando en Francia se puso de moda abandonar las reuniones sans adieu o, lo que el lo mismo, sin despedirse. Una fórmula considerada el canon de la cortesía palaciega, siendo de mal gusto avisar de la marcha o excusarla. Sin embargo, el resto de Europa esta costumbre era considerada de mala educación, lo que dio lugar al modismo.
Obra original de la artista emergente, de estilo FIGURATIVO, Barbara James. Se trata de un gliclée, de edición limitada. En su obra nos presenta una serie de paisajes idílicos, muchos de ellos costeros, realizados con bandas planas de colores brillantes, de los que nos llegan oleadas de optimismo que nos recuerda a la corriente Naïf.
Aunque de muy niña recuerda su amor por los colores y la pintura, Bárbara encontraba muy complicada su vocación, y no consideró realmente la posibilidad de una carrera en el mundo de las artes hasta que comenzó a participar en el diseño de modas, a la vez que completaba su formación en Música, Danza y Teatro. Fue entonces cuando retomó su pasión por la pintura, empujada por los ánimos de su profesor.
Tras la Universidad, Bárbara James desarrolló su carrera en los medios, especialmente en la televisión, donde ha realizado programas durante la mayor parte de su vida profesional. A finales de los años noventa, decidió retomar la pintura al óleo, y muy pronto llegó a ser la finalista del concurso nacional de Artist & Illustrators magazine.
Una grave enfermedad la mantuvo alejada de su trabajo, lo que, por otro lado, le permitió concentrarse más a fondo en su pasión por la pintura, y es entonces cuando comienza a vender y exhibir sus obras en galerías locales. Ahora que es una profesional de éxito, Barbara James declara que su viada artística ha sido “un viaje desde la escuela infantil, pero finalmente estoy consiguiendo sacar las pinturas de mi cabeza y ponerlas sobre el lienzo”.
Así narra ella sus comienzos en la pintura: “Mi actividad comenzó a finales de los años sesenta. Mientras el resto del país estaba experimentado con substancias ilegales, yo estaba muy ocupada buscando uniones de colores brillantes y la anticipación de lo que podría hacer con ellos. Pero la euforia se convirtió muy pronto en decepción, al ver que cada sesión tan solo producía un confuso desastre. Los colores brillantes y las imágenes salvajes que llenaban mi cabeza no volaban hacia el papel. Era el equivalente artístico de un músico sordo”.
Director: Otto Preminger Intérpretes: Gene Tierney, Dana Andrews, Clifton Webb, Vincent Price.
En la ciudad de Nueva York, una mujer llamada Laura Hunt (Gene Tierney) ha sido asesinada. El detective Mark McPherson (Dana Andrews) se hace cargo del asunto, siendo sus primeras tareas el interrogatorio de dos posibles sospechosos: un periodista llamado Waldo Lydecker (Clifton Webb) y Shelby Carpenter (Vincent Price), el prometido de la fallecida.
Probablemente el mejor título del director vienés Otto Preminger y una de las historias más fascinantes del cine negro de los años 40. Iniciada por Rouben Mamoulian, la película centra el misterio en torno al personaje femenino que da título al film, una mujer que obsesiona a todos los hombres que se acercan a su personalidad y figura, desde el sentimiento necrófilo del policía encargado de la investigación, hasta el sincero entusiasmo amoroso de un seductor gigoló de refinado porte, pasando por la ofuscación paranoica de un maduro y celoso escritor, lleno de agudeza y cultura, que se verá arrastrado por una malsana perturbación pasional.
Preminger maneja la película con soltura y elegancia, refinamiento en la puesta en escena y tensión en la construcción del suspense.
Un magnífico guión con unos ingeniosos diálogos (de esos que jamás escucharemos en el cine moderno) y la espléndida fotografía del gran Joseph LaShelle (que consiguió su único Oscar con este título), dotan al relato de un hálito enigmático, que alcanza su máxima pináculo con la aparición cuasi fantasmal de la bellísima Gene Tierney junto al cuadro que preside el salón en donde transcurre casi toda la acción.
Además de enmarcarse dentro del thriller clásico, con las características de ambientación urbana y relente como definición de la psique de unos personajes ambiguos y una perturbada trama, atmósfera taciturna, intervención de la femme fatale como motor del asunto o utilización narrativa del flashback, "Laura" es una intensa película romántica, con los celos y la obsesión como principal mecanismo temático.
A principio de verano de este año el Congreso aprobó por unanimidad una proposición no de ley presentada por CiU que tiene como objetivo que personas afectadas por patologías como cardiopatías congénitas, cáncer, alergias alimentarias y a látex puedan beneficiarse de las prestciones y políticas que facilitan a las personas que tienen algún tipo de discapacidad.
Según esta proposición aprobada, deberá modificarse el bareo actual de minusvalías para que pueda ser reconocido, declarado y calificado el grado de minusvalía en personas, incluidos niños y adolescentes, con alergias alimentarias y a látex entre otros. La actual legislación dificulta enormemente el acceso a la consideración de minusvalía a los alérgicos. En algún caso sí se ha podido conseguir dicho reconocimiento, pero ello ha sido posible alegando la patología respiratoria o dermatológica del afectado y no su alergia.
En concreto la Proposición no de Ley insta al Gobierno a impulsar que el grupo de trabajo que realiza la revisión de los baremos del Decreto 1971/1999 (integrado por técnicos y representantes de colectivos con discapacidad) concluya con la inclusión de las patologías relativasa a alergias alimenticias y al látex, cardiopatías congénitas y personas con diagnóstico de cáncer, en base a la Clasificación Internacional del Funcionamiento de la Discapacidad y de la Salud, aprobada por la ONU en 2001.
UNO DE LOS PROBLEMAS MÁS GRAVES DE NUESTRA SOCIEDAD: LA PORNOGRAFÍA INFANTIL EN LA RED.
Todos podemos colaborar contra ella. Erradicarla es responsabilidad de todos. Una primera forma de hacerlo: leer y difundir estas páginas y direcciones. FUNDAMENTAL: denunciar cuando se encuentre alguna página de pornografía infantil
PÁGINAS CONTRA LA PORNOGRAFÍA INFANTIL EN LA RED:
Informe de Anesvad sobre Pornografía Infantil en Internet : se trata de un documento de lectura imprescindible para conocer el alcance del problema. En él pueden encontrarse además referencia a otros sitios de esta organizacion desde los que se puede colaborar contra este delito.
Protegeles.com : es una línea de denuncia avalada entre otros por el Defensor del Menor y el Ministerio de Industria, Turismo y Comercio
E-Mail de la Policía para denuncias específicas: denuncias.pornografia.infantil@policia.es
No sé de quién partiría la idea para el doblaje andaluz de Jinks, pero, desde aquí mi felicitación retroactiva, y mi agradecimiento por los muchos ratos de diversión y risas que me ha proporcionado. Aún oigo su voz, con ese peculiar acento: "Ozú, eso mardito roedore". Es uno de los mejores recuerdos que guardo de mi infancia.
Pierre Nodoyuna y Patán, Penélope Glamour... Si el tiempo que Pierre Nodoyuna empleaba en preparar trampas a sus rivales lo hubiera empleado en correr, seguramente habría ganado la carrera, pero entonces no nos habríamos divertido tanto viendo sus maldades, ¿verdad? Aquí os dejo el primer episodio de la serie, da comienzo la carrera más loca del siglo.
En la antigúedad las hospederías gozaban de una más que dudosa fama, sobre todo en materia de la calidad de las viandas que servían. Por poner un ejemplo, los venteros de antaño eran a menudo acusados de echar un asno en adobo y servirlo como ternera a los sufridos clientes, y de servir platos cuyo contenido no se sabía si era ternera, cabrito, liebre o gato.
Era tanto el descrédito que llegaron a acumular estos lugares, que entre los comensales se popularizó un conjuro previo al acto de sentarse a comer, Puestos en pie, los clientes recitaban así delante del asado:
Si eres cabrito, mantente frito; si eres gato, salta del plato.
No creo que este conjuro tuviera la virtud de arreglar las cosas, pero lo que sí es cierto es que una de las estafas más comunes era la de dar carne de gato por la de liebre. De ahí que este dicho se utilice cuando se intenta engañar en la calidad de una cosa ofreciendo otra de peor calidad que se le asemeja.
Obra Gráfica original de Edición Limitada del Reconocido artista español Juan Genovés, una de las figuras clave del realismo crítico-social de los años 50.
Su visión le hace realmente particular; la figura humana es siempre protagonista, tanto en su presencia como en su ausencia e incluso en sus sombras, en las que reside toda la carga onírica de la angustia existencial.
Biografía
Nacido en Valencia en 1930, Juan Genovés es uno de los exponentes del realismo crítico-social de los años 50; ha ido evolucionanda hacia el existencialismo.
Parte de un enfoque fotográfico que recuerda a la frialdad del Pop. Parece pintar siempre desde el mismo lugar, pero variando la perspectiva del motivo, el cual se transforma constantemente. Con este cambio de perspectiva nos acerca o aleja de la escena, para buscar el movimiento de las masas guiadas por la inteligencia colectiva, obrera, que da trascendencia al sin sentido de la experiencia individual y que hace evidente la soledad, la manipulación y la injusticia a la que está expuesto el ser humano.
Genovés critica la cultura de masas que fomenta la competitividad, el consumismo, la individualidad y la pérdida de valores sociales. Expresivo en la utilización de formatos y materiales pictóricos en contraste con la contundencia del tema. Simbolista en la composición y los ritmos. Cuestiona constantemente la libertad del hombre en la sociedad actual así como la suya propia dentro de su producción.
En sus últimas obras la espacialidad parece remitir a un vacío inspirado en los sueños que invita a una reflexión de la mirada y de una realidad inestable y pasajera.
Es uno de los artistas a los que se le ha reconocido más internacionalmente que a nivel nacional.
Participante en numerosas bienales como la II Bienal Hispanoamericana de La Habana, III Bienal Hispanoamericana de Barcelona, Bienal de París, la World Fair de Nueva York, etc, se celebró una importante retrospectiva de su obra en el IVAM en l994.
Sábado, tres de la tarde, todos sentados ante el televisor. Comienza el telediario segunda edición. Jana Escribano, seria, circunspecta y excelente profesional, sonríe. "Por fin podemos darles una buena noticia. Hoy, Marco encuentra a su madre". Toda España respiró con alivio. El tierno niño italiano iba a reunirse en la lejana Argentina con su buena mamá. Un año esperando el encuentro y al fin iba a producirse. Toda España expectante y dispuesta a soltar un sábado más la lágrima, esta vez de emoción y de alegría. Cincuenta y dos largas semanas esperando, episodio tras episodio, que Marco encontrara a su mamá y por fin iba a ocurrir. Y ocurrió, y lloró España entera, que sólo ha llorado en una unión sin fisuras por encima de diferencias ideológicas y de filias futbolísticas inconciliables, la muerte de Chanquete, las penas de Marco y las vicisitudes de la familia Ingells. No era mi serie favorita, pero con el paso del tiempo (mucho tiempo) he ido tomándole el cariño que se le toma a los recuerdos.
Aquí os dejo el final-final de la serie. Hale, a llorar como entonces.
El oso Yogui, la tortuga D’Artagnan, el lagarto Juancho, el gorila Maguila, don Gato, Canuto y Canito, Pepe Pótamo y Soso, Leoncio León y Tristón (don Óptimo y don Pésimo extrapolados al reino animal), la Hormiga Atómica, Pixie y Dixie, toda una fauna animada poblaba la televisión antaño durante el respetadísimo horario infantil. Lo veíamos embobados mientras merendábamos ante una tele en blanco y negro, antes de ponernos a hacer los deberes. ¡Qué de risas hemos echado delante del televisor con las aventuras de esta fauna imaginaria!
El origen de esta expresión parece localizarse en una taberna madrileña del siglo XIX, regentada por una tal María Morena - conocida popularmente como la Marimorena - mujer de mucho carácter, y su marido. Al parecer, ambos tenían por costumbre reservar los mejores caldos para sus clientes de mayor alcurnia. Pero cierto día, un grupo de parroquianos se enfrentó a ellos, exigiendo de gustarlo en lugar del áspero vino peleón que habitualmente les servían. Los tabernos se negaron, y se armó tal trifulca que tuvo que intervenir la autoridad para poner orden.
"Yo soy rebelde porque el mundo me ha hecho así, porque nadie me ha tratado con amor" Otro tratado de sociología. La culpa de todo: del mundo. Otros se la echan al sistema. Qué más da... Lo importante es ser o sentirse rebelde, con o sin causa. Todos fuimos chicos rebeldes, todos tuvimos un futuro prometedor... Cuánto juego ha dado la rebeldía en la música y en el cine...
Aún recuerda todo el mundo la canción de Jeanette. ¿Alguien recuerda la cara B del vinilo?
Escultura de alambre de acero, original del popular escultor español Héctor Goyanes. Sus obras, principalmente realizadas en alambre de acero, están dotadas de esa liviandad que les otorga su apariencia característica de dibujo en tres dimensiones.
Nada ocultan sus esculturas, ni si quiera el paisaje; todo es transparente, todo se puede ver a través de ellas.
Sus obras parecen ser dibujos buscando la tercera dimensión o esculturas con vocación de dibujos, encontrando profundidades que a éste le es imposible alcanzar.
Aula Crítica es un proyecto de Liliana (KINEPHILOS ) que por fin se ha realizado. Muchos de los amigos que visitáis este blog la conocéis. Conocéis, pues, su gusto exquisito a la hora de hacer crítica cinematográfica, tanto a la hora de ir "diseccionando" la película de la que nos hable como al redactar su crítica entendida y siempre interesante. Pues a través de este Aula Crítica, Liliana Sáez y algunos otros compañeros, igualmente cualificados por saber y por experiencia, nos ofrecen la posibilidad de aprender mucho sobre cine y crítica literaria. No dejéis de visitar este Aula.
Curiosidades lingüísticas: CARGARLE EL MUERTO A OTRO
Esta expresión que utilizamos para expresar que atribuimos a alguien culpas que no tiene o le endosamos trabajo proviene del hecho siguiente: Según una ley medieval, cuando en el término de un pueblo aparecía el cadáver de una persona muerta violentamente y no se llegaba a conocer el asesino, el pueblo entero debía pagar la multa a los familiares de la víctima. Por tal motivo, los vecinos de los lugares donde se cometía un crimen solían trasladar el cadáver a otra localidad para librarse de la multa y cargarle el muerto a otro.
.