Curiosidades lingüísticas: QUIEN FUE A SEVILLA, PERDIÓ SU SILLA
Esta frase hecha alude a un hecho histórico ocurrido en el siglo XV, en tiempos de Enrique IV. Siendo Alonso de Fonseca arzobispo de Sevilla, su sobrino fue nombrado arzobispo de Santiago de Compostela. Como por aquella época el reino de Galicia estaba muy revuelto, el sobrino pidió a su tío que fuera temporalmente a Santiago a pacificarlo, mientras él se hacia cargo del arzobispado de Sevilla. Tras restablecer el orden en Santiago y regresar a su feudo eclesiástico, el tío se encontró con que su sobrino se negaba a abandonar por las buenas la silla hispalense, lo que provocó grandes disputas entre ambos. De ahí la popular expresión, cuya forma original era en realidad: <<quien se fue de Sevilla, perdió su silla>>.
Para nostálgicos. Vamos a la cama, que hay que descansar, para que mañana podamos madrugar. Cleo, Tete, Mariví, Pelusín, Coletitas y Cuquín, la familia Telerín, nos mandaban temprano a la cama. Corrían los primeros setenta. ¿Recordáis?
Obra original del artista británico emergente,Drew Darcy. El artista crea obras muy sofisticadas y con un estilo propio. Influenciado por artistas como Gerhard Richter, Francis Bacon o Edgard Hopper, Darcy aporta una visión muy moderna en sus obras. Su obra es emintentemte FIGURATIVA, y en ella predomina una intención de capturar momentos determinados en el tiempo, manteniendo un gran sentido de movimiento y realismo.
De su obra, Drew dice: “Empleo muchas horas tomando fotografías y buscando referencias. Una vez que tengo material suficiente, manipulo las imágenes usando mi ordenador, para ver mis ideas en la pantalla. Así puedo vislumbrar como quedará la pieza finalmente, cambiar colores, cortar o pegar. La tecnología me ayuda mucho y me encanta la idea de poder unir los métodos tradicionales con lo moderno. En cualquier caso, reconozco que nada puede comparrse con la magia que crea una pincelada. No hay imaginería digital que pueda acercarse al toque humano. Más tarde, traspaso las ideas que he desarrollado al lienzo”.
Soltar el dinero. Pagar. Cuando cazamos una mosca la mantenemos dentro de la mano, cerrando el puño. Si aflojamos y abrimos la mano, la mosca se escapa. Donde dice mosca, diga usted dinero y queda explicada la expresión.
Supongo que así es para los cinéfilos documentados, pero esta comedia, basada en una obra de teatro que triunfaba en Broadway, es una delicia total. Conserva a pesar del tiempo (es de 1941) todo su encanto y su poder para provocar carcajadas.
Un reparto excelente encabezado por Cary Grant en el que figuran Josephine Hull y Jean Adair, como las adorables ancianitas, tías del protagonista, que, con la mayor naturalidad le confiesan a su sobrino Mortimer ser autoras de varios asesinatos por envenenamiento. Ellas también daban vida a estos personajes en el teatro.
Es divertidísimo ver cómo el pobre Mortimer va encajando como puede los descubrimientos y los acontecimientos delirantes que se suceden a lo largo de la comedia.
Bajo presupuesto, historia accidentada, escenarios limitados... Pero muchísimo talento y originalidad, y algún que otro guiño al espectador.
Una obra para ver mil veces y reír cada una de ellas como si fuera la primera.
La primera serie japonesa de animación y fantasía que llegó a nuestras pantallas. El fabuloso robot Mazinger Z, pilotado por Koji Kabuto, hacía nuestras delicias en la sobremesa de los sábados. "Puños fuera", "Fuego de pecho", eran sus gritos de guerra, siempre contra el mal. Y los de su réplica femenina, Afrodita A. Cualquier día tendré que escribir algo sobre las maravillosas sobremesas de los sábados de mi niñez y mi adolescencia, sentada toda la familia ante el televisor para ver la serie estupenda de turno y disfrutarla juntos
Estos días he andado, aparentemente, un poco descuidada, he tenido, en apariencia, un poco olvidada mi presencia en la blogosfera, este espacio común en el que tantas cosas podemos compartir: apenas he actualizado, no he revisado apenas mis blogs favoritos (sí, toda esa lista de enlaces que figura en el Cajón).... Este semiabandono se ha debido en parte a motivos personales que no hacen al caso, y, en parte también a lo que ya puedo hacer público y compartir con vosotros: una de las razones para no trabajar es que he estado trabajando. Fruto de ese trabajo en un fotoblog que espero os guste. Ha nacido sin pretensiones artísticas, vaya por delante esto a modo de declaración de principios. Exponiendo esas fotos lo único que pretendo es ofreceros mi visión de las cosas, compartirla con vosotros, esos amigos a los que no conozco en persona y a los que probablemente nunca llegaré a conocer fuera de este espacio cibernético y fantástico.
El nuevo blog se llama VISTO LO VISTO y, quien sienta curiosidad, puede acceder a él, clikando en el enlace.
Gracias a todos por vuestra amistad virtual y no por eso menos real.
Su nombre: Assunta Adelaide Luigia Modotti, conocida como Tina. Su profesión: fotógrafa, pero no es de su trabajo de lo que voy a ocuparme ahora. Lugar de nacimiento: Udine (Italia), en 1896. Fue una mujer apasionada, inteligente y comprometida. Tenía diecisiete años cuando emigró con su familia a Estados Unidos. Tuvo una brevísima carrera como actriz en Hollywood. 1921 es un año importantísimo en su vida: es entonces cuando conoce al fotógrafo Edward Weston, norteamericano, que le enseñó todo lo que sabía sobre fotografía. Un año más tarde viaja a México y allí traba amistad con Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. Activista y comprometida, como ya señalaba, ingresó en las filas del Partido Comunista en 1927. Participó activamente en la campaña "Manos fuera de Nicaragua" en apoyo a la lucha de Augusto C. Sandino y ayudó a fundar el primer comité antifascista italiano. En 1928 conoció al dirigente estudiantil cubano Julio Antonio Mella, en el transcurso de una manifestación en protesta por la ejecución de Sacco y Vanzetti. En 1930 es expulsada de México: sobre ella pende la injusta acusaciónde conspirar para asesinar al Presidente. Marcha a Alemania y de allí viaja a la Unión Soviética donde se reencontró con Vittorio Vidali, a quién había conocido en México. Participó en el Socorro Rojo Internacional. Corría el año 1934 cuando vino a España, y dos años más tarde, al estallar la Guerra Civil se alistó en el Quinto Regimiento y trabajó con las Brigadas Internacionales hasta el fin de la misma, habiendo adoptado el nombre de María. En 1939 regresó como asilada a México, donde continuó con su actividad política a través de la Alianza Antifascista Giuseppe Garibaldi. En 1940, el gobierno de Lázaro Cárdenas anuló su expulsión de 1930. Falleció en 1942, de un ataque cardiaco, después de una vida intensa y apasionante.
Los historiadores sitúan el origen de esta expresión en Francia durante las persecuciones sufridas por los hugonotes. Al parecer, fue la reina Catalina de Médicis quien dio lugar al nacimiento de esta expresión del Palacio Real conductos acústicos secretos para escuchar mejor lo que decían los cortesanos de quienes más sospechaba y desbaratar cualquier posible conjura contra sus intereses.
Hablar de Norman Foster es hablar de exploración arquitectónica. Es un arquitecto que nunca se repite, en cada edificio trata de desarrollar nuevas ideas. Basa su trabajo en la exploración de nuevos campos y posibilidades técnicas, y nuevos materiales.
"Los edificios están hechos para solucionar necesidades materiales, urgencias reales, pero también deben alimentar el espíritu. Un buen edificio debe cumplir la vertiente práctica y la sublime"
Este profesional, que ha recibido más de trescientos premios por su trabajo, ha realizado proyectos en cuarenta y ocho países, entre ellos España. De él son el Metro de Bilbao, el Palacio de Congresos de Valencia y la Torre de Telecomunicaciones de Collserola. Su próximo proyecto en España, en el que ya trabaja, es la Torre Repsol, en los terrenos del actual estadio Santiago Bernabeu.
Tres sustantivos definen su labor, según los expertos: elegancia, tecnología, perfección.
Al contemplar una obra de arte quizá uno de los primeros requisitos que valoramos es que nos provoque sensaciones, buenas o malas, pero que nos provoque y, a ser posible, que nos revele detrás de su técnica un signo de identidad . Y esto es lo que experimentamos cuando percibimos por primera vez una obra del artista José Sanz . Es un artista difícil de contextualizar.
Constantes en su obra son las texturas rugosas con relieve, la técnica mixta, la composición (en toda su obra puede percibirse una sutil simetría), el uso de objetos recuperados y reciclados que Sanz Sala no se limita a plasmar tal y como los encuentra, sino después de un proceso de armonización para integrarlo en el cuadro; y, sobre todo, el color. Ésta, según se aprecia en toda su obra, es una característica que lo define.
La obra de Weston es una continua búsqueda y esconde un ser inquieto y apasionado con su trabajo.
Este espíritu fue el que le hizo ver claro que el pictorialismo era un callejón sin salida y empezó un periodo de análisis que le conduciría hacia una pureza fotográfica.
Dotado de un gran sentido de la composición, los objetos de Weston, ya sean conchas, pimientos o un excusado, incluso algunos de sus desnudos, responden a su estado de ánimo, y se llenan de opulencia y vigorosidad al acercarse a ellos. Escudriña sus formas. Cambia la iluminación hasta llegar al ser del objeto, que se transforma en una emoción sin perder su condición. Muy al contrario se reafirman en su volumen, en sus recovecos más ocultos, en la materia de la que están hechos. La textura pasa a ser otro personaje de la foto. Pero va mas allá, sugieren otra cosa: Un pimiento pasa a ser un músculo retorcido; una alcachofa, una celosía; una hoja de col es una catarata de agua congelada; un cuerpo, una escultura de mármol.
Es un acercamiento directo, realista lleno de intuición y pureza, que desborda sensualidad, incluso, lujuria.
Bordeando el preciosismo, en el que el mas mínimo detalle está cuidado al máximo, y con una composición exquisita, los paisajes de Weston, otro de sus temas recurrentes, y a diferencia de Ansel Adams, transmiten cierta dureza, donde se enfrentan la belleza y la decadencia.
Fotógrafo que amplió el vocabulario fotográfico.
Su vida, indisolublemente ligada a su obra fue apasionada, sin concesiones y en continua relación con la naturaleza.
Biografía
Edward Weston, nació el 24 de Marzo de 1886 (Hihgland Park, Illinois). A los 16 años hace sus primeras fotos. En 1906 se traslada a California donde permanece trabajando gran parte de su vida. En 1922 viaja a Nueva York con el deseo expreso de conocer a Stiegltz. En Agosto de 1923 se traslada a México acompañado de Tina Modotti, y con uno de sus cuatro hijos, Chandler, fruto de su matrimonio en 1909 con Flora Chandler.
Aunque sus inicios se enmarcan en el pictorialismo, coincidiendo con su estancia en México (1923-1926) sus ideas se clarifican; destruye sus primeras fotografías y se inicia en el movimiento purista.
En México reacciona a la vitalidad del lugar y deja abundantes testimonios de sus gentes, lugares y costumbres. Se relaciona con pintores, fotógrafos, ... a los que presenta como personajes vitales; criaturas que viven la vida hasta el fondo.
En 1926 vuelve a California e inicia un periodo, hasta 1930, donde realiza gran parte de sus trabajos más representativos. En 1928 viaja al desierto de Mojave y se enfrenta por vez primera con el paisaje. El desierto le impresiona y le abre nuevos caminos creativos.
En 1929 se traslada a Carmel, un pueblo aislado de la costa norte de California, donde lleva una vida sencilla y donde realiza a lo largo de varias décadas un extenso trabajo del desierto de California y Point Lobos.
En 1930 realiza su primera exposición individual en Nueva York. En 1932 publica su primer libro de fotografías: "The Art of Edward Weston".
Se establece en Santa Mónica en 1935, donde encuentra lugares de gran inspiración, como las dunas de bahía de Océano.
En los últimos años de su vida, su obra se hizo más sutil y diversa, casi íntima, aunque sin la fuerza de imágenes anteriores.
El año 1946 se divorcia de su segunda esposa, Charis, y empiezan los primeros síntomas del Parkinson, lo que le dificulta su labor creativa.
En 1947, no sin ciertas reticencias, tiene su primer contacto con al fotografía en color. Lugares y objetos que ya había captado en blanco y negro.
Curiosidades lingüísticas: CARGAR O CARGARLE A ALGUIEN CON EL MOCHUELO
Alguien carga con el mochuelo cuando soporta una responsabilidad o una culpabilidad que no debería corresponderle. Está claro que cargar es sinónimo de tocar o de corresponder. Parece ser que la expresión tiene su origen en un cuento popular que recoge el caso de un mozo andaluz y un soldado gallego que llegaron a una posada a hora intempestiva. Pidieron algo para cenar, pero el posadero les informó de que sólo disponía ele una perdiz y de un mochuelo, esa rapaz nocturna parecida a la lechuza y que no es precisamente muy comestible que digamos. «Ase vuestra merced las dos piezas, que ya veremos cómo nos las repartirnos», ordenó el andaluz. Llegados los pájaros a la mesa, dijo el andaluz al gallego: «Elige: o tú te comes el mochuelo y yo me como la perdiz, o yo me como la perdiz y tú te comes el mochuelo», a lo que el gallego, resignado ante la sagacidad del otro, respondió: «No sé por qué me parece a mí que me va a tocar cargar con el mochuelo.»
"Sé muy bien que todo amor, significa esclavitud, perderé mi libertad por ganar tu juventud. El dinero no me importa, tengo tu cariño, y podré decir a todos que ya tengo tu amor. Tengo tu amor, para qué quiero más, me conformo con ser feliz, con saber que tú vives para mí"
Mejor nos quedamos con la punzadita nostálgica del recuerdo y no analizamos la letra.
A veces es suficiente poder reclinar la cabeza en un hombro que nos acoge y sentir cómo una mano nos acaricia el cabello para sentirse en paz, para vivir un momento perfecto.
Jamás un rayo de sol habrá sido tan perdurable como el que Los Diablos mencionan en su canción. Aún sentimos su calor llegando desde el año 1970. Un rayo de sol que ha atravesado cuatro décadas, un siglo y un milenio. Si ese cálido rayo de sol vivo pudiera hablar...
El significado de esta expresión lo conocemos sobradamente: En gran número, en cantidad. Mansalva es una palabra compuesta, formada a partir de etano salva. En su origen tenía un significado literal: «sin peligro, sin cuidado»; posteriormente ha sufrido un cambio semántico hacia su significado actual; lógicamente, lo que no se considera en peligro, lo que va sobre seguro, no busca protección, no se esconde, se deja ver, abunda.
Ésta es la explicación que he encontrado sobre el origen de la expresión "A mansalva". No obstante, como no me quedo convencida de que sea auténtica, seguiré buscando. Esta pequeña explicación va dirigida especialmente a Canichu, el Espía del Bar , que fue quien me puso como "deberes" localizarlo.
Quiero dedicar muy especialmente este artículo a mi anónimo comentarista: ¿Recuerdas? Estudios de RTVE, año 80, 27 de febrero; plató de APLAUSO. Jairo y... el reggae de Eddie Grant , el ballet de Georgio Aresu y mucha diversión. Éramos muy jóvenes... Un recuerdo compartido.
Y ahora para todos los lectores, así decía la canción:"Juntos iremos con las golondrinas, el mundo será nuestro hogar..."
Cierto, reconozco que hoy me he levantado quisquillosa y pejiguera, pero eso no anula la validez de mi razonamiento. A los sesudos buscadores de neologismos les ha dado por llamar "violencia de género" al maltrato físico hacia la mujer en el ámbito doméstico. Pues la han errado: las personas tenemos sexo; el género no es más que un accidente gramatical (así se llamaba cuando yo estudié) que se limita a la morfología de las palabras. La palabra "mesa" pertenece al género femenino; la mujer maltratada, al sexo femenino; no confundamos. Y para terminar de ponerme quisquillosa, la expresión "violencia de género" me parece discriminatoria respecto de los varones que sufren esta misma situación, que los hay aunque sea en menor número. Vamos a dejar de ahorrarnos palabras, que de nada nos va a servir el tiempo que no empleamos en pronunciarlas, y llamemos a las cosas por su nombre, aunque sea largo, que son las palabras el mejor instrumento que tenemos para comunicarnos.
Efectos ópticos: REALIDAD COMPROBABLE (LA SOLUCIÓN)
Para quien no sepa de qué hablo, incluyo el enlace . Obcedada yo en recordar y mi memoria en no dejarme, no supe deciros cómo había comprobado la veracidad del efecto óptico del damero y el cilindro. Ayer recibí un comentario al respecto que abrió mi caprichosa memoria de repente. Gracias, Jose, has salvado mi dignidad :)
Pues sí, basta con abrir la imagen con un photoshop, y, como dice Jose, recortar un pequeño rectángulo de cada uno de los cuadrados marcados y copiarlos en respectivos archivos nuevos. Os sorprenderéis.
Pues sí, durante un tiempo abandono la red. Si todo transcurre según lo previsto, la ausencia se prolongará una semana, dos a lo sumo. Hasta entoces, ciao, y que seais felices. Besos.
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Obra original del artista británico emergente,Drew Darcy. El artista crea obras muy sofisticadas y con un estilo propio. Influenciado por artistas como Gerhard Richter, Francis Bacon o Edgard Hopper, Darcy aporta una visión muy moderna en sus obras. Su obra es emintentemte FIGURATIVA, y en ella predomina una intención de capturar momentos determinados en el tiempo, manteniendo un gran sentido de movimiento y realismo. 
