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Cajón desastre

Arte

Marilyn, I Volti

Marilyn, I Volti

Esta obra es una serigrafía del italiano Mimmo Rotella, nacido en Cantazaro en 1918. Se dedica fundamentalmente a la pintura y al collage y es uno de los artistas más influyentes del siglo XX

Comenzó sus estudios de Arte en Nápoles, más tarde se mudó a Roma, donde no permaneció mucho tiempo: se enroló en las fuerzas armadas. En 1944, abandonó el ejército y se graduó en la Academia de Artes de Nápoles. Desde 1944 hasta 1945, impartió clases de dibujo en el Instituto de Aparejadores de su ciudad natal.

En 1945 se mudó a Roma: siguiendo sus comienzos figurativos y primeras experimentaciones, elaboró un modo de expresión pictórica de raíz neo geométrica. En 1949 inventó “epistaltic”, que consistía en una serie de palabras (algunas inventadas), silbidos, sonidos, onomatopeyas. En el mismo años escribió su Manifesto, publicado en 1955.

En 1951 tuvo su primer contacto con artistas franceses, posteriormente se mudó a Estados Unidos, allí creó una gran composición mural y grabó poemas fonéticos acompañado de instrumentos de percusión. En la Universidad de Harvard, en Boston realizó una performance de poesía fonética y grabó otras piezas para la Biblioteca del Congreso en Washington.

Su viaje a Estados Unidos le ofreció la posibilidad de conocer a los protagonistas del panorama artístico del comento: Rauschenberg, Oldenburg, Twombly, Pollock y Kline.

Tras su vuelta a Roma en 1953 experimentó una crisis durante la cual interrumpió su producción pictórica. Convencido de que todo en el arte ya estaba hecho, improvisó lo que él mismo definió como “Iluminación Zen”. El descubrimiento de los posters publicitarios como expresión artística, como el mensaje de la ciudad. Esto fue el origen del decollage, pegando trozos de posters arrancados de la pared sobre lienzo. Aquí, Rotella adoptó el collage como el usado por los cubistas, “contaminándolo” con dadaísmo, y cambiando el significado del objet trouvé.

Más tarde continuó con el llamado “doble décollage”: el poster arrancado de la pared, y más tarde modificado en el estudio.

En 1956 recibió el premio Graciano, y en 1957 el premio Battistoni e Della Pubblica Istruzione.

Aunque en los cincuenta la crítica ya le reconocía como uno de los exponentes de la Nueva Pintura Romana, Rotella recibió los calificativos de “arrancapósters” o “el pintor del papel pegado”. En 1958 le visitó el crítico francés Pierre Restany, una entrevista que dio lugar a una larga amistad.

La curiosidad del público por sus extravagancias, por su vida bohemia, cristalizó en 1960, con la película dirigida por Enzo Nasso dedicada a los Pittori arrabiati (pintores enfadados), y en la que Rotella dirigió la banda sonora.

En 1960 se unió al grupo Nouveau Rèalisme (aunque no firmó su manifiesto), grupo en el que encontramos nombres como el de Klein, Tinguely, César, Spoerri, Arman y Christo. El grupo también incluía a artistas franceses dedicados al collage, como Hains, Villeglé y Dufrêne.

Además de decollages, Rotella también creó assemblages de objetos comprados en desguaces y basureros: chapas de botellas, tapones, trozos de cuerda, de hilos de bramante, etc.

El Po Art y el Expresionismo, llevados a Italia por Fontana y Burri, jugaron un papel importante en redireccionar la orientación pictórica de Rotella. En 1960 conoció a De Kooning y a Rothko en Roma.

En 1972 publicó su autobiografía, titulada “Autorotella”.

El “Plastiforme” fué creado en 1975, posters arrancados sobre un soporte de poliuretano, que les otorgaban tridimensionalidad.

Durante los años ochenta elaboró sus “Blanks” o coperture d´affiches: carteles publicitarios, cubiertos con hojas de papel blanco, a modo de operación conceptual. En 1992 el Ministerio de Cultura Francés le otorgó el título de Oficial de las artes y las Letras.

En 1999, el alcalde de su ciudad natal, Sergio Abramo, firmó una orden autorizando a Rotella a arrancar posters en Catazaro y sus alrededores.

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ZAHA HADID, LA "NOBEL" DE ARQUITECTURA

ZAHA HADID, LA "NOBEL" DE ARQUITECTURA

Zaha Hadid, arquitecta iraquí con residencia en Londres, es la única mujer que ha conseguido el premio Pritzker, algo así como el Nobel de la arquitectura; se lo otorgaron en el 2004. En su trayectoria profesional ha tenido que lidiar con obstáculos difíciles de vencer: la complejidad de sus diseños, su origen iraquí y el ser una mujer en un mundo, el de la arquitectura, dominado por hombres. En su  haber se cuentan obras como el Centro Rosenthal de Arte en Cincinnati; el Laboratorio científico de Wolfsburg y el parque empresarial, en Alemania; la Terminal de Tranvías de Estrasburgo, por la que obtuvo el premio Mies van der Rohe al mejor edificio europeo. Actualmente está preparando para España la remodelación de la Plaça de les Arts, en Barcelona; el área de Zorrozaurre en Bilbao; y en Zaragoza construye un puente que ha de estar listo para la Expo 2008.

Se confiesa admiradora de los arquitectos "más generosos y más modestos" y nombra entre ellos al brasileño Oscar Niemeyer y a Peter Rice.

La imagen corresponde al Museo del Transporte de Glasgow

SEDA

SEDA

Esta obra es un aguatinta de Willi Kissmer, pintor y artista gráfico alemán. De acuerdo con la representación clásica de la figura humana, Kissmer llena sus obras de sensualidad.

Ha sido descrito como sensual, provocador, misterioso y erótico. A través de la manipulación de los claroscuros, es capaz de transmitir valores táctiles a su pintura.

Estudió grabado, litografía y Bellas Artes en Folkwangschule, Essen

Esta es una lista seleccionada de las EXPOSICIONES de la obra de Willi Kissmer:

1997
- Parkview Fine Paintings, Bristol, Reino Unido.

1996
- Deson Gallery, Long Beach, California, EE.UU.

1995
- Kunstaus Ratingen, Dusseldorf, Alemania.

1994
- Galerie Articles, Kevelaer, Alemania.

1993
- Johnson Art, San Luis Obispo, California, EE.UU.

DIBUJOS DE ALBERTO, DE LA PANADERÍA.

DIBUJOS DE ALBERTO, DE LA PANADERÍA.

Estos estupendos dibujos que vi en el blog Noticias de un Espía en el Bar, son obra de Alberto, aunque por ahora no puedo daros más información, sí quería mostrároslos porque me han fascinado: la perfeccion del trazo (especialmente las manos), la inquietante temática, la técnica empleada.

Tal vez Canichu quiera aportar la información que posee al respecto. Desde aquí, Canichu, te invito a hacerlo. Gracias.

Les Anges

Les Anges

Les Anges es un glicée de Keith Mallet perteneciente a una serie de la que también forman parte Les Sirens, y, ampliando criterios, obras en las que aparece una sola figura femenina de este mismo estilo, como La Seductrice, Enigmatique, etc.

Para Keith Mallett la pintura es un viaje espiritual. No sólo es pintor sino también ceramista. Tiene obras de estilo figurativo, pero también pinta abstracto y still life.
Sus técnicas: glicée, aguafuerte....

De esta obra me ha gustado la estilización de las figuras y la fuerza de ese esquematismo que le lleva a eliminar el detalle de los rostros, con lo que consigue, en aparente contradicción, una mayor expresividad con la actitud de las figuras femeninas y con el uso del color.

keithmallett@cox.net

ADÁN SIN COSTILLA (PABLO BRUERA)

ADÁN SIN COSTILLA (PABLO BRUERA)

Esta escultura de chapa de hierro que lleva por título ADÁN SIN COSTILLA, es obra del artista uruguayo multidisciplinar Pablo Bruera. De nuevo el arte de sugerir mediante el uso de las formas.

THAT PARTICULAR FRIDAY (RAÚL MORA)

THAT PARTICULAR FRIDAY (RAÚL MORA)

Esta obra que Raúl Mora ha realizado con técnica mixta es la que más me ha gustado de este pintor. Para saber más sobre Mora y su obra, pulsar aquí.

Me gustan los tonos, la forma en que se insinúan sin un trazo deliberadamente claro la mano y el rostro tras un cristal empañado en el que esa mano sugerida va dibujando o tal vez escribiendo. Es una pintura muy sugerente.

Arquitectura birmana

Arquitectura birmana

Breve muestra de la arquitectura típica birmana. La imagen se tomó en Bagan

Minga (Victoria Camacho)

Minga (Victoria Camacho)

 Esta escultura de Victoria Camacho, presenta personajes en varillas de hierro sobre una plancha de hierro curvada. Acabado con pintura acrílica y  envejecido con betún de Judea. Tiene un diámetro de un metro y una profundidad de 30 cms.

Victoria Camacho nació en Quito el 25 de julio de 1961. Se graduó en la Facultad de Artes de la Universidad Central del Ecuador (especialización grabado escultura). Ha realizado innumerables exposiciones colectivas e individuales y producido esculturas monumentales que se encuentran en parques y espacios recreativos de la Capital y de otras ciudades del país.

Me ha encantado su forma y ligereza.  Para ver más obras de la artista, pulsar aquí.

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IDEAS

IDEAS

Este grabado de la artista catalana Encina Verdial López  está realizado con nuevas tecnologías. La artista aplica el plotter o trazador sobre un tablero de kapafix para conseguir esta obra cuyas dimensiones son 1m de alto/70cm de largo.

La impresión que a mí me causa es que sería la portada ideal para una revista dedicada al mundo de las Artes y del Diseño Industrial.  

Licenciada en Bellas Artes por la Facultat de Belles Arts Sant Jordi, de Barcelona, ha participado en interesantes proyectos y exposiciones.

Otras obras suyas realizadas con esta misma técnica son CONVERTIDO EN ARTE y MOMENTOS URBANOS.

Chueca An-Dante

Chueca An-Dante

Éste es el nombre con el que se conoce ahora el aparcamiento de Vázquez de Mella, en el madrileño barrio de Chueca.


Diseño, neón y referentes a la "Divina Comedia", de Dante son sus nuevas características. El color rojo predomina en las 108 plazas públicas que se iluminan cuando están libres para reducir el tráfico interior. Un millón de euros costó el rediseño de las instalaciones que firmó la arquitecta italiana Teresa Sapey, al frente de un equipo compuesto por quince personas, trece de ellas mujeres. `Chueca An-Dante´está inspirado en la frase del Canto V "Amor que a nadie amado amar perdona, por él infundió en mi placer tan fuerte, que como ves, ya nunca me abandona". El Ayuntamiento invirtió un millón de euros en remodelar este aparcamiento que asumió la personalidad del barrio de Chueca como punto de encuentro cultural, moderno y funcional. Aunque los primeros plazos apuntaban a que el aparcamiento estaría listo antes de verano, fue en septiembre cuando comenzó a funcionar.

Tras observar el lazo rojo solidario, de grandes dimensiones, situado sobre la rampa de acceso, el visitante, al entrar en la primera planta, puede leer en una pared, en un rótulo luminoso de color rojo, la frase "Amor que ama obliga al que es amado, me ata a tus brazos, con placer tan fuerte, que, como ves, ni a un muerto me abandona", que figura en la obra "La Divina Comedia", de Dante Alighieri. También llama la atención la combinación de pinturas del suelo y que cada plaza dispone en altura de un sensor de color verde que cambia a rojo cuando la plaza es ocupada por un vehículo, de esta forma un conductor puede ver mejor dónde hay un espacio libre para aparcar, al tiempo que se reduce la contaminación en el interior del recinto, porque así los coches tienen que dar menos vueltas para estacionar.

Se añadieron otras novedades como las distinciones de acceso a la planta pública y a las plantas de residentes; las cámaras de grabación en todo el espacio; se cambió el sentido de la circulación para agilizar el flujo de vehículos; los servicios públicos, también adoptaron un diseño innovador al ubicarse junto al puesto de control; y se instaló un lector óptico para controlar las matrículas de los coches de rotación.

El remodelado aparcamiento de la Plaza Vázquez de Mella sigue la línea característica de los trabajos de Sapey: estética, funcionalidad, color, ARTE .

Teresa Sapey y el aparcamiento del Hotel Puerta de América.

Teresa Sapey  y el aparcamiento del Hotel Puerta de América.

Teresa Sapey, la arquitecta italiana afincada en España desde hace quince años, lanzó un reto a Pablo Couto, consejero delegado del Grupo Silken, gestor del Hotel Puerta de América: "¿Si encuentro un sitio me lo dejas hacer?"

Teresa estaba interesada en participar en el proyecto pero como ella misma dice, "no estaba invitada ni prevista"

Couto aceptó el reto y Sapey encontró el sitio que necesitaba: el aparcamiento.

Y realizó un aparcamiento colorista con señalización a base de iconos de movimiento que indican la salida y que están compuestos por fragmentos de la poesía de Paul Éluard "La Libertard"

En su línea de aunar estética y funcionalidad, utiliza el color para imprimir expresividad, pero también para facilitar la función; de nuevo en palabras de la propia arquitecta: "El aparcamiento del Hotel Puerta de América es el más seguro del mundo: en caso de pánico la salida se encuentra en segundos, por el tamaño del grafismo y las indicaciones del color"

ESCULTURA DE LUZ SIETE

ESCULTURA DE LUZ SIETE

Esta obra está realizada en plástico y metal y sus dimensiones son:

Largo140 cm
Ancho250 cm
Alto300 cm

Esto es lo que el propio escultor dice de ella:

"Habiendo estado siempre fascinado por la luz y sus efectos, decidí dedicarme a ello en una obra a gran escala, segmentada en cientos de unidades, cada una de ellas coloreadas con sombras que varian entre el azul y el rojo."

Artista multidisciplinar y escultor, Ronald Moll enfoca principalmente su obra hacia el efecto visual que produce la luz artificial

En 1989 estableció su propio taller en Ilfracombe, Devon, en el sur de Inglaterra, donde continúa viviendo y trabajando.

Estudió escultura en las escuelas de Arte de Barnstaple y Cheltenham desde 1984 hasta 1988.

Ha expuesto individualmente en la Galería Lankern, Ilfracombe, y ha ganado numerosos premios nacionales de escultura.

Escultura de luz siete consigue transmitir a quien la contempla la misma fascinación por la luz que siente el artista.

La Dama de Elche

La Dama de Elche

Mi recuerdo de la Dama de Elche se remonta al curso académico 1981/82, en el que realizamos una excursión al Museo Arqueológico de Madrid. Hasta entonces sólo había visto a la Dama en los libros de Ciencias Sociales. Me impresionó en primer lugar su pequeño tamaño (en los libros parecía mucho más grande) y luego su perfección y el detalle con que está trabajada la piedra. 

DIMENSIONES: 56 cm de altura

PROCEDENCIA: La Alcudia (Elche)

MATERIAL: Caliza con restos de pintura

LOCALIZACIÓN: Museo Arqueológico Nacional (Madrid)

CRONOLOGÍA : S. V a.C. 

La Dama de Elche fue encontrada en 1897 en el yacimiento alicantino de la Alcudia (Elche). En la actualidad es imposible hablar del mundo ibérico sin mencionar esta escultura. A finales del s. XIX la cultura ibérica se encontraba sin catalogar, esta escultura ayudó a dar una personalidad propia a la cultura ibérica, establecer unos ciertos cánones que, aunque identificados con el mundo mediterráneo comenzaban a configurar arte ibérico y permitían hablar de una etapa cultural definida como Ibérica. Es un busto de 56 centímetros de altura, aunque  es  posible que fuera segmentado de una estatua de cuerpo entero, prueba de ello es el corte irregular y brusco del plano inferior. Está realizado en caliza porosa de tonos ocres, y conserva restos de color, sobre todo el rojo de los labios y de algunas zonas del ropaje. Se halló casualmente en 1897, en un escondrijo hecho con losas, adosado a la muralla, al este de la ciudad de Elche; no era el lugar donde hubo de estar originariamente, sino una ocultación para librarlo de algún peligro. Según lo poco que ha podido saberse del contexto arqueológico, se hallaba en un nivel tardío, quizá romano republicano. Las circunstancias, por tanto, no son las mejores para facilitar la interpretación de la pieza. Recién descubierta, fue adquirida por el hispanista francés Pierre Paris y llevada al Louvre, de donde regresaría en 1941. Esta imagen fue identificada con Apolo-Mithra por Pedro Ibarra en 1897, frente a la identificación femenina que es la aceptada generalmente, aunque algunos investigadores hablaban de un individuo andrógino. Otra doble interpretación surgió a la hora de establecer su carácter humano o divino, identificación con una sacerdotisa o una diosa de ultratumba.  Ante interpretaciones  tan opuestas sólo podemos admitir una cierta  ambigüedad  que permite abrir múltiples registros interpretativos. La imagen presenta un rostro aristocrático de rasgos finos; con la mirada entornada y realzada  por la pasta vítrea de los ojos, hoy perdida, pero que en su momento enfatizaría su mirada

DESCRIPCIÓN:  Busto que representa a una Dama ricamente ataviada, con joyas que nos hacen recordar las halladas en el Tesoro de Aliseda, como por ejemplo el collar portaamuletos. Todo está representado hasta el más mínimo detalle, incluso la pequeña fíbula anular que sujeta la túnica interior, sobre el collar que lleva un jarroncito, una fíbula que en un primer vistazo no se ve.El manto exterior se abre en pliegues triangulares para que se puedan ver todas las joyas que lleva la Dama. Uno de lo elementos que más destacan de la escultura son los rodetes que enmarcan el rostro. De ellos, aunque mucho más sencillos, tenemos otra muestra en otra Dama que se halla en el museo de Alicante. Finalmente está coronada con un tocado que en su parte superior y posterior conserva policromía (rojo, blanco y azul) .  Va vestida con tres prendas: una fina túnica abrochada con una diminuta fíbula anular, sobre ella un vestido que se ve terciado sobre el pecho, y, por encima de todo, un manto de tela gruesa, cerrado algo más abajo del borde conservado, y por arriba abierto forzando una especie de solapas de plegado muy anguloso.

El manto exterior se abre en pliegues triangulares para que se puedan ver todas las joyas que lleva la Dama.   Prueban de sobra los tocados que el griego Artemidoro se entretuvo en describir, cuando aquí estuvo en torno al año 100 a. C., como propios de las damas ibéricas.Un velo se introduce  bajo el manto,  una funda sobre él, que  debía de ser de cuero, se ajusta al cráneo, y además de servir de soporte a filas de esferillas que adornan el borde sobre la frente, cumple la finalidad de dar sujeción a los dos enormes estuches discoidales que enmarcan el rostro, del que lo separan unas placas decoradas con volutas y con colgantes terminados en perillas, que caen sobre las clavículas; un tirante de extremos abiertos pasa sobre la cabeza, sujeto a los discos, para impedir que se abrieran más de lo conveniente. Pero lo más atrayente de esta Dama son, sin duda, sus ojos almendrados, frente a los ojos redondos del resto de las Damas ibéricas; un tratamiento completamente diferente que nos recuerda a las Korai griegas. Las cejas apenas marcadas y la pupila que debería de ser de otro material. Los detalles llegan hasta sus últimas consecuencias en este busto tanto, que incluso encontramos restos de policromía en los labios. En la parte posterior del busto encontramos una oquedad cuya función ha sido definida como contenedora de las cenizas y restos quemados del difunto, hecho este que no se ha podido comprobar realmente ya que le busto se encontró descontextualizado en 1897 por el Dr. Campello, pero que no dudamos de que ésa era su función. Según Langlotz, sus facciones recuerdan los de las figuras femeninas del templo de Hera en Selinunte, en particular los de la misma Hera de una de las metopas, a lo que ha añadido.A. Blanco la suposición de que pudiera ser obra de un griego o un ibero formado en los talleres sicilianos de Siracusa o la misma Selinunte. Su fecha de realización puede situarse en la primera mitad del siglo V a. C. Ya se ha dicho que el tocado de la Dama no es del todo insólito: más mesurado, o más humano, se documenta a menudo en las esculturas de orantes del Cerro de los Santos o en las figuritas broncíneas de los santuarios.    

Edward Hopper: SUMMERTIME

Edward Hopper: SUMMERTIME

Fecha: 1943

Características: Óleo sobre lienzo, 74x111,8 cms.

Ubicación: Wilmington, Delaware Art Museum

Un cuadro en el que juega un papel primordial la luz. Los tonos grises, azulados y blancos confieren a la obra una luminosidad especial.

Los dibujos preparatorios que se conservan demuestran que Hopper trabajó a fondo con las proporciones de los elementos y en especial con las escaleras. En uno de ellos se ven todas las estructuras de la casa, sin la figura femenina.

La sensación que  a mí siempre me transmite esta obra es la de calma. Parece que todo está tranquilo, todo invita a tomarse un respiro y disfrutar del momento perfecto como parece hacer la muchacha que está en la escalerilla.

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Edward Hopper: NIGHTHAWKS

Edward Hopper: NIGHTHAWKS

Fecha: 1942

Características: Óleo sobre lienzo, 76,2x144 cms.

Ubicación: Chicago, The Art Institute.

Uno de mis cuadros favoritos (de hecho, tengo una reproducción enorme presidiendo el comedor de mi casa) Y lo es porque vi reflejada en él la fascinación que sobre mí ejerce la noche.

Hopper manifestó en una entrevista que en él había plasmado su manera de ver la noche. A la pregunta de la entrevistadora, Katherine Kuh "¿Solitaria y vacía?" el pintor respondió: "No me parece especialmente solitaria. Simplifiqué mucho la escena y aumenté de tamaño el restaurante. Quizás inconscientemente, pinté la soledad de una gran ciudad"

Pintó mucho más que eso: no hay soledad en esta escena, hay una calle solitaria y cuatro individuos compartiendo madrugada y café. Es un momento fascinante e íntimo. Quien lo ha vivido lo sabe.

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