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Cajón desastre

Arte

Edward Weston

Edward Weston

La obra de Weston es una continua búsqueda y esconde un ser inquieto y apasionado con su trabajo.

Este espíritu fue el que le hizo ver claro que el pictorialismo era un callejón sin salida y empezó un periodo de análisis que le conduciría hacia una pureza fotográfica.

Dotado de un gran sentido de la composición, los objetos de Weston, ya sean conchas, pimientos o un excusado, incluso algunos de sus desnudos, responden a su estado de ánimo, y se llenan de opulencia y vigorosidad al acercarse a ellos.
Escudriña sus formas.
Cambia la iluminación hasta llegar al ser del objeto, que se transforma en una emoción sin perder su condición.
Muy al contrario se reafirman en su volumen, en sus recovecos más ocultos, en la materia de la que están hechos.
La textura pasa a ser otro personaje de la foto.
Pero va mas allá, sugieren otra cosa: Un pimiento pasa a ser un músculo retorcido; una alcachofa, una celosía; una hoja de col es una catarata de agua congelada; un cuerpo, una escultura de mármol.

Es un acercamiento directo, realista lleno de intuición y pureza, que desborda sensualidad, incluso, lujuria.

Bordeando el preciosismo, en el que el mas mínimo detalle está cuidado al máximo, y con una composición exquisita, los paisajes de Weston, otro de sus temas recurrentes, y a diferencia de Ansel Adams, transmiten cierta dureza, donde se enfrentan la belleza y la decadencia.

Fotógrafo que amplió el vocabulario fotográfico.

Su vida, indisolublemente ligada a su obra fue apasionada, sin concesiones y en continua relación con la naturaleza.


Biografía


Edward Weston, nació el 24 de Marzo de 1886 (Hihgland Park, Illinois).
A los 16 años hace sus primeras fotos.
En 1906 se traslada a California donde permanece trabajando gran parte de su vida.
En 1922 viaja a Nueva York con el deseo expreso de conocer a Stiegltz.
En Agosto de 1923 se traslada a México acompañado de Tina Modotti, y con uno de sus cuatro hijos, Chandler, fruto de su matrimonio en 1909 con Flora Chandler.

Aunque sus inicios se enmarcan en el pictorialismo, coincidiendo con su estancia en México (1923-1926) sus ideas se clarifican; destruye sus primeras fotografías y se inicia en el movimiento purista.

En México reacciona a la vitalidad del lugar y deja abundantes testimonios de sus gentes, lugares y costumbres.
Se relaciona con pintores, fotógrafos, ... a los que presenta como personajes vitales; criaturas que viven la vida hasta el fondo.

En 1926 vuelve a California e inicia un periodo, hasta 1930, donde realiza gran parte de sus trabajos más representativos.
En 1928 viaja al desierto de Mojave y se enfrenta por vez primera con el paisaje. El desierto le impresiona y le abre nuevos caminos creativos.

En 1929 se traslada a Carmel, un pueblo aislado de la costa norte de California, donde lleva una vida sencilla y donde realiza a lo largo de varias décadas un extenso trabajo del desierto de California y Point Lobos.

En 1930 realiza su primera exposición individual en Nueva York.
En 1932 publica su primer libro de fotografías: "The Art of Edward Weston".

Se establece en Santa Mónica en 1935, donde encuentra lugares de gran inspiración, como las dunas de bahía de Océano.

En los últimos años de su vida, su obra se hizo más sutil y diversa, casi íntima, aunque sin la fuerza de imágenes anteriores.

El año 1946 se divorcia de su segunda esposa, Charis, y empiezan los primeros síntomas del Parkinson, lo que le dificulta su labor creativa.

En 1947, no sin ciertas reticencias, tiene su primer contacto con al fotografía en color. Lugares y objetos que ya había captado en blanco y negro.

Muere el 1 de Enero de 1958 en Widcat Hill.
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LA TERRAZA (JOSÉ SANZ SALA)

LA TERRAZA (JOSÉ SANZ SALA)

Al contemplar una obra de arte quizá uno de los primeros requisitos que valoramos es que nos provoque sensaciones, buenas o malas, pero que nos provoque y, a ser posible, que nos revele detrás de su técnica un signo de identidad . Y esto es lo que experimentamos cuando percibimos por primera vez una obra del artista José Sanz . Es un artista difícil de contextualizar.

Constantes en su obra son las texturas rugosas con relieve, la técnica mixta, la composición (en toda su obra puede percibirse una sutil simetría), el uso de objetos recuperados y reciclados que Sanz Sala no se limita a plasmar tal y como los encuentra, sino después de un proceso de armonización para integrarlo en el cuadro; y, sobre todo, el color. Ésta, según se aprecia en toda su obra, es una característica que lo define. 


La arquitectura según Norman Foster

La arquitectura según Norman Foster

Hablar de Norman Foster es  hablar de exploración arquitectónica. Es un arquitecto que nunca se repite, en cada edificio trata de desarrollar nuevas ideas. Basa su trabajo en la exploración de nuevos campos y posibilidades técnicas, y nuevos materiales. 

"Los edificios están hechos para solucionar necesidades materiales, urgencias reales, pero también deben alimentar el espíritu. Un buen edificio debe cumplir la vertiente práctica y la sublime"

Este profesional, que ha recibido más de trescientos premios por su trabajo, ha realizado proyectos en cuarenta y ocho países, entre ellos España. De él son el Metro de Bilbao, el Palacio de Congresos de Valencia y la Torre de Telecomunicaciones de Collserola. Su próximo proyecto en España, en el que ya trabaja, es la Torre Repsol, en los terrenos del actual estadio Santiago Bernabeu.

Tres sustantivos definen su labor, según los expertos: elegancia, tecnología, perfección. 

COOL BLUE (DREW DARCY)

COOL BLUE (DREW DARCY) Obra original del artista británico emergente,Drew Darcy. El artista crea obras muy sofisticadas y con un estilo propio. Influenciado por artistas como Gerhard Richter, Francis Bacon o Edgard Hopper, Darcy aporta una visión muy moderna en sus obras. Su obra es emintentemte FIGURATIVA, y en ella predomina una intención de capturar momentos determinados en el tiempo, manteniendo un gran sentido de movimiento y realismo.
De su obra, Drew dice:
“Empleo muchas horas tomando fotografías y buscando referencias. Una vez que tengo material suficiente, manipulo las imágenes usando mi ordenador, para ver mis ideas en la pantalla. Así puedo vislumbrar como quedará la pieza finalmente, cambiar colores, cortar o pegar. La tecnología me ayuda mucho y me encanta la idea de poder unir los métodos tradicionales con lo moderno. En cualquier caso, reconozco que nada puede comparrse con la magia que crea una pincelada. No hay imaginería digital que pueda acercarse al toque humano. Más tarde, traspaso las ideas que he desarrollado al lienzo”.

SERENITY (MELISSA MAILER-YATES)

SERENITY (MELISSA MAILER-YATES)

SERENITY es un grabado de la artista británica Melissa Mailer-Yates, hecho con la técnica giclée. Es una artista que cultiva el estilo figurativo y recibe gran influencia de los interiores impresionistas; concede gran importancia al tratamiento de la luz.

La inspiración de sus trabajos es el poder, la belleza y el milagro de la feminidad.
Su obra explora la intimidad de la mujer y su sensualidad, por encima de su sexualidad.

Melissa Mailer-Yates ha realizado encargos para la Reina de Inglaterra, la Princesa de Arabia Saudita, y Betsy Bloomingdale entre otros.

Esto es lo que la propia artista dice de su trabajo:“Mis obras más tempranas se centraban más en calidades abstractas, retratando emociones intangibles, mientras mi trabajo actual es más material. Es importante sentir y compartir los sentimientos.

La insistencia en el uso de las luces y sombras para explorar la realidad como una forma abstracta, como un romance de un tiempo pasado. Evoca los recuerdos de nuestras propias experiencias, iluminadas por los rayos de la juventud y la niñez, encuentros olvidados que fueron nuestros y sólo nuestros. Mis pinturas permiten vislumbrar otras vidas, como lo hacían las obras de Degas y Mary Casta, dos de mis grandes fuentes de inspiración”

 

 

MICHEL CASADO: CARICATURAS E ILUSTRACIONES

MICHEL CASADO: CARICATURAS E ILUSTRACIONES

La caricatura que ilustra este post es obra de Michel Casado, ilustrador y caricaturista novel y autodidacta que ya ha recibido un merecido premio otorgado en la VIII Bienal de Caricatura de Ourense. A través de sus caricaturas, y siempre con un punto de humor, Michel nos da su particular visión de personajes que le inspiran, tan diferentes y distantes como Valle-Inclán y Clint Easwood, por ejemplo. Por ahora, para disfrutar de sus dibujos, podéis visitar sus blogs,  Ilustraciones y otras hierbas , donde muestra algunos de sus trabajos en este campo, y en Caricaturas y otras hierbas , cuyo título deja claro el contenido sin necesidad de añadir más. Sí se debe mencionar una peculiaridad de sus caricaturas: en ocasiones, más que buscar el parecido en los rasgos, lo busca en la pose, en la actitud, en el gesto, y lo consigue.

Con esta caricatura en concreto, nos da su particular visión del artista M. C. Echer, una visión ciertamente original que a mí me ha gustado mucho. 

 

ARTE EN PAPEL: PETER CALLESEN

ARTE EN PAPEL: PETER CALLESEN
Esta maravilla "arquitectónica" está construida por Peter Callesen con papel. Justo es reconocer a través de quien he conocido la obra de este artista del origami más extremo: a través de mi amigo, el Conde Volney . Gracias por descubrírmelo, Conde.

HELGA KOHL


La fotógrafa namibia Helga Kohl , ganadora del premio de Arte del Instituto Profesional de África del Sur, estudió técnicas de fotografía en Alemania y obtuvo el diploma de fotografía CHAMBER OF TRADE MUNSTER WESTFALEN. Uno de los temas de sus trabajos es la arquitectura, pero con una visión tan peculiar como la que se aprecia en las imágenes.

INÉS RODRÍGUEZ, ARQUITECTA

INÉS RODRÍGUEZ, ARQUITECTA

Inés Rodríguez es una arquitecta reconocida, nacida en Barcelona en 1963. Sus trabajos se desarrollan en áreas diversas e íntimamente relacionadas: arquitectura, interiorismo, rehabilitación y diseño. Entre las prioridades de esta profesional, el orden, el sentido común a la hora de diseñar espacios adaptados a las necesidades del cliente, el confort y la creatividad.

Es una arquitecta que ha trabajado mucho el loft, cuya esencia define así: "No depende de los metros, sino de que una vivienda se viva como un ambiente amplio, holgado, fluido, donde pueds cambiar un sofá de sitio sin que la casa se altere". Es decir, un espacio que admita cambios.  

 

Escultura papirofléxica

Escultura papirofléxica
Esta maravilla escultórica , el Arcángel Gabriel, está realizada, como véis, en papel, por el artista de la papiroflexia Takashi. Si queréis conocer su obra, verdadero arte, copiad esto en la barra de direcciones:  http://www11.ocn.ne.jp/~origami/phototop.htm     Alucinaréis.

RAILS

RAILS

Litografía sobre Papel Guarro, obra del maestro catalán Joan Brossa , considerado como uno de los más vanguardistas y prolíficos autores de éste país.

Joan Brossa nació en el barrio barcelonés de San Gervasio un 19 de enero de 1919, hijo único de un grabador y una cantante de zarzuela retirada de los escenarios. Su padre lo inició en la pasión por el teatro y las artes escénicas desde su más tierna infancia. Sin embargo, su muerte acabó llevando a un pequeño Brossa bajo la influencia de la familia de la madre, tradicional y conservadora, que muy pronto le buscó una educación clásica.

Brossa siempre aborreció de las escuelas y colegios. Consideró que eran una estafa, que sólo inculcaban "cultura de opereta", y siempre se opuso a ellas. "Las cosas importantes se aprenden, pero no se enseñan", dijo una vez. En cualquier caso, en julio de 1936 tuvo que dejar la escuela de manera forzosa. Con sólo 17 años, Joan Brossa fue movilizado por el Ejército Republicano para hacer frente a los 'nacionales', y lo trasladaron a Lleida. Y fue precisamente en el campo de batalla donde comenzó su carrera literaria.

Al principio sólo eran notas, apuntes biográficos, impresiones del frente. Poco después, los mandos le pidieron un texto para animar a los compañeros. Todas estas cuartillas y escritos formarían parte, años más tarde, del libro Trenta Divisió, publicado en 1950. Acabada la guerra, a Brossa le toca hacer el servicio militar, como a tantos republicanos cuya experiencia y años en combate fueron deliberadamente ignorados.

Acabado el servicio militar, Brossa está plenamente integrado en la intelectualidad vanguardista. Fuertemente influido por Freud, se dedica a componer a partir de asociaciones libres de imágenes de sueños, denominadas "imágenes hipnagógicas".

En estos primeros trabajos vanguardistas, Brossa introduce elementos claramente teatrales, y se preocupa por el absurdo cotidiano. Lleva el surrealismo hacia temáticas populares, pero no pierde de vista un horizonte político reivindicativo y progresista que le acompañará toda su vida.

Colaboró en la fundación del grupo “Dau al Set” junto a Tàpies, Cuixart, Ponç y Puig. Empezó en el neosurrealismo y después se movió en una línea de reflejo de la realidad y de poesía experimental y visual.

Esta capacidad de experimentación será importantísima durante los años 1960 y 1975, en que Brossa da el salto a la poesía visual. Se trata de un período clave en su vida, puesto que comenzará a colaborar con artistas de la talla de Joan Miró o Antoni Tàpies. Brossa desarrolla su concepto lúdico y participativo de la poesía, que encuentra su máxima expresión en la experimentación con objetos. Se trata de eludir las limitaciones del lenguaje escrito, para acceder a un nivel de representación simbólica ilimitada. Así, la poesía puede ser una escultura, un cartel, una acción.

Durante la Transición, Brossa reprende su poesía políticamente comprometida, pero la normalización de la vida democrática, posteriormente, lo lleva cada vez más hacia la plástica. Así, la obra de Brossa comienza a alejarse paulatinamente de lo literario para adentrarse cada vez más en lo experimental. Una exposición en la Fundació Miró de Barcelona, en 1986, será decisiva. El enorme éxito que obtiene abre las puertas a nuevas instalaciones, nuevos objetos y una nueva etapa de fecundidad creativa en la vida del poeta. Sus poemas en forma de esculturas llegan a la calle: en Barcelona destacan el Poema Visual Transitable, en el velódromo de la Vall d'Hebron; la Barcino, en la plaza de la catedral; el "Antifaz" de la Rambla...

Son estos últimos años de su vida una interminable cascada de reconocimientos. Su contribución a la poesía, al teatro, al cine y a las artes plásticas comienza a ser conocida y comprendida por el mundo artístico español, así como por el público en general. Su obra ya se sitúa en el marco que le corresponde: la de uno de los más prolíficos y tempranos vanguardistas de este país.

Bibliografía Esencial:

- Glòria Bordons. Introducción a la poesia de Joan Brossa. Barcelona, 1988
- Jordi Coca: Joan Brossa oblidar i caminar. Barcelona, 1992
- Isidro Vallés. Joan Brossa. Les sabes sónmés que un pedestal, Barcelona, 1996
- Lluis Permanyer. Records BrossaxBrossa. Barcelona, 1999
- Eduard Planas. La poesía escénica de Joan Brossa. Barcelona 2002.

 

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FALOTAURO

FALOTAURO

Escultura de alambre de acero, original del popular escultor español Héctor Goyanes. Sus obras, principalmente realizadas en alambre de acero, están dotadas de esa liviandad que les otorga su apariencia característica de dibujo en tres dimensiones.

Nada ocultan sus esculturas, ni si quiera el paisaje; todo es transparente, todo se puede ver a través de ellas.

Sus obras parecen ser dibujos buscando la tercera dimensión o esculturas con vocación de dibujos, encontrando profundidades que a éste le es imposible alcanzar.

 


MANCHA (JUAN GENOVÉS)

MANCHA (JUAN GENOVÉS)

Serigrafía y Collage sobre Cartón-pluma

Obra Gráfica original de Edición Limitada del Reconocido artista español Juan Genovés, una de las figuras clave del realismo crítico-social de los años 50.

Su visión le hace realmente particular; la figura humana es siempre protagonista, tanto en su presencia como en su ausencia e incluso en sus sombras, en las que reside toda la carga onírica de la angustia existencial.


Biografía
Nacido en Valencia en 1930, Juan Genovés es uno de los exponentes del realismo crítico-social de los años 50; ha ido evolucionanda hacia el existencialismo.

Parte de un enfoque fotográfico que recuerda a la frialdad del Pop. Parece pintar siempre desde el mismo lugar, pero variando la perspectiva del motivo, el cual se transforma constantemente. Con este cambio de perspectiva nos acerca o aleja de la escena, para buscar el movimiento de las masas guiadas por la inteligencia colectiva, obrera, que da trascendencia al sin sentido de la experiencia individual y que hace evidente la soledad, la manipulación y la injusticia a la que está expuesto el ser humano.

Genovés critica la cultura de masas que fomenta la competitividad, el consumismo, la individualidad y la pérdida de valores sociales. Expresivo en la utilización de formatos y materiales pictóricos en contraste con la contundencia del tema. Simbolista en la composición y los ritmos. Cuestiona constantemente la libertad del hombre en la sociedad actual así como la suya propia dentro de su producción.

En sus últimas obras la espacialidad parece remitir a un vacío inspirado en los sueños que invita a una reflexión de la mirada y de una realidad inestable y pasajera.

Es uno de los artistas a los que se le ha reconocido más internacionalmente que a nivel nacional.

Participante en numerosas bienales como la II Bienal Hispanoamericana de La Habana, III Bienal Hispanoamericana de Barcelona, Bienal de París, la World Fair de Nueva York, etc, se celebró una importante retrospectiva de su obra en el IVAM en l994.

 

 

SOBRE EL REFLEJO

SOBRE EL REFLEJO

Obra original de la artista emergente, de estilo FIGURATIVO, Barbara James. Se trata de un gliclée, de edición limitada. En su obra nos presenta una serie de paisajes idílicos, muchos de ellos costeros, realizados con bandas planas de colores brillantes, de los que nos llegan oleadas de optimismo que nos recuerda a la corriente Naïf.

Aunque de muy niña recuerda su amor por los colores y la pintura, Bárbara encontraba muy complicada su vocación, y no consideró realmente la posibilidad de una carrera en el mundo de las artes hasta que comenzó a participar en el diseño de modas, a la vez que completaba su formación en Música, Danza y Teatro. Fue entonces cuando retomó su pasión por la pintura, empujada por los ánimos de su profesor.

Tras la Universidad, Bárbara James desarrolló su carrera en los medios, especialmente en la televisión, donde ha realizado programas durante la mayor parte de su vida profesional. A finales de los años noventa, decidió retomar la pintura al óleo, y muy pronto llegó a ser la finalista del concurso nacional de Artist & Illustrators magazine.

Una grave enfermedad la mantuvo alejada de su trabajo, lo que, por otro lado, le permitió concentrarse más a fondo en su pasión por la pintura, y es entonces cuando comienza a vender y exhibir sus obras en galerías locales. Ahora que es una profesional de éxito, Barbara James declara que su viada artística ha sido “un viaje desde la escuela infantil, pero finalmente estoy consiguiendo sacar las pinturas de mi cabeza y ponerlas sobre el lienzo”.

Así narra ella sus comienzos en la pintura: “Mi actividad comenzó a finales de los años sesenta. Mientras el resto del país estaba experimentado con substancias ilegales, yo estaba muy ocupada buscando uniones de colores brillantes y la anticipación de lo que podría hacer con ellos. Pero la euforia se convirtió muy pronto en decepción, al ver que cada sesión tan solo producía un confuso desastre. Los colores brillantes y las imágenes salvajes que llenaban mi cabeza no volaban hacia el papel. Era el equivalente artístico de un músico sordo”.

 

PACKAGE ON A HUNT

PACKAGE ON A HUNT

Litografía y Collage Obra Gráfica de Edición Limitada de Christo, reconocido artista nortemaericano de origen búlgaro, cuyos sus objetos envueltos son algunos de los ejemplos más extremos del arte conceptual moderno.

Entre 1951 y 1956 estudia en la Academia de Bellas Artes de Sofía y en 1957 se traslada a París, donde comienza a empaquetar pequeños objetos (botellas, revistas...) que con el tiempo adquieren mayor tamaño llegando a empaquetar una costa australiana y famosos edificios, también tapiza paisajes con azafrán o con sombrillas.

Alcanza la fama con sus últimos trabajos que empaquetan temporalmente edificios enteros u objetos de gran tamaño. Algunas de sus obras son las Surrounded Islands, Valley Curtain, Biscayne Bay, Florida (Islas rodeadas, 1982), The Pont New Wrapped. En 1995 empaquetó el Reichstag, en Berlín.

Christo introduce elementos absolutamente inusuales en el paisaje o llama la atención sobre el anonimato que la sociedad concede a sus edificios y monumentos.

Su obra se encuentra en las más prestigiosas COLECCIONES y MUSEOS internacionales, entre ellos:

Akron Art Museum, Ohio, USA
Art Gallery of New South Wales, Sydney, Australia
Australian Museum, Sydney, Australia
Basil and Elise Goulandris Museum of Modern Art, Andros, Grecia
Bayerische Steatsgemäldesammlungen, Neue Pinakothek, Munich, Alemania
Berlin-Museum, Berlin, Alemania
Centre Canadien d’Architecture, Montréal, Canada
Centre National d'Art et de Culture Georges Pompidou, Paris, Francia
Deutsches Architektur Museum, Frankfurt Am Mein, Alemania
Fukuoka Art Museum, Fukuoka City, Japón
Galleria degli Uffizi, Florence, Italia
Henie-Onstad Kunstsenter, Høvikodden, Noruega
Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Japón
Ho-Am Museum, Yongin-Gun, Kyunggi-Do, Korea
Hugh Lane Municipal Gallery of Modern Art, Dublin, Irlanda
Kunst Museum der Stadt Bonn, Bonn, Alemania
Kunstgewerbemuseum Der Stadt, Zürich, Suiza
Kunsthalle Hamburg, Alemania Los Angeles Museum of Contemporary Art, California, USA
Moderna Museet, Stockholm, Suecia
Musée d'Art Contemporain de Montréal, Canada
Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Brussels, Belgica
Museum Boymans Van Beuningen, Rotterdam, Holanda
Museum des 20 Jahrhunderts, Vienna, Austria
Museum of Modern Art, San Francisco, California, USA
Museum of Contemporary Art, Teheran, Iran
Nationalgalerie, Berlin, Germany
National Gallery of Art, Washington, D.C., USA
National Museum of Art, Osaka, Japan
Neue Galerie Der Stadt Linz, Wolfgang Gurlitt Museum, Linz, Austria
Philadelphia Museum of Art, Pennsylvania, USA
San Diego Museum of Art, San Diego, California, USA
Stedelijk Museum, Amsterdam, Holanda
The Art Institute of Chicago, Illinois, USA
The Chrysler Museum, Norfolk, Virginia, USA
Detroit Institute of Arts, Michigan, USA
Israel Museum, Jerusalem, Israel
Metropolitan Museum of Art, New York, USA
Museum of Fine Arts, Houston, Texas, USA
Museum of Modern Art, New York City, USA
Tate Gallery, London, England
Victoria and Albert Museum, Londres, Reino Unido
Whitney Museum of American Art, New York City, USA

Nuevas fotos en AL OTRO LADO DE LA RETINA

Nuevas fotos en AL OTRO LADO DE LA RETINA

Las cámaras acuáticas también son para el invierno
 
Éste es el título de la foto que ilustra este aviso. No dejéis de visitar AL OTRO LADO DE LA RETINA . Impresionantes fotografías. Etringita se supera en cada entrega.

Ninfa

Ninfa

Esta escultura lleva por título Ninfa; está realizada en chapa de hierro de 1,5 cms. de espesor y sus dimensiones son 66x16 cms. Está pintada a mano con laca. Es obra de Víctor Arrizabalaga, el mismo autor de Sobremesa , artista pop nacido en Baracaldo en 1957. http://clubcafeole.blogia.com/temas/el-cafe-y-el-arte.php

Esta es una lista seleccionada de las EXPOSICIONES de la obra de Victor:

1992
- Galería Vanguardia, Bilbao, España.

1994- 1997
- Galería Ederti, Bilbao

1998
- Galería Carmen Carrión, Santander, España.
- Museo de Arte e Historia de Durango, Vizcaya, España.

2000
- Artexpo, Barcelona.
- Arte Santander, Santander, España.

OSCAR NIEMEYER, ARQUITECTURA CURVA

OSCAR NIEMEYER, ARQUITECTURA CURVA

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Oscar Niemeyer, a sus 98 años, es el decano de los arquitectos en activo. La edad no ha podido con él, con su creatividad, son sus ganas de seguir trabajando en lo que le gusta, ni con su amor por la vida. Nacido en 1907, se convirtió en arquitecto en 1934. Rechazó desde el principio la arquitectura comercias y trabajó gratis en el estudio de Lúcio Costa y Carlos Leao, con ellos colaboró en el diseño del Ministerio de Educación y Salud. Gracias a ello conoció a Le Corbusier y viajó a Estados Unidos para participar en la construcción del Pabellón de Brasil en la Feria Mundial de Nueva York. A finales de los años 30, Juscelino Kubitschek, futuro presidente de Brasil, le encarga la construcción del distrito de Pampulha, en Belo Horizonte (era entonces alcalde de esta ciudad). Después participó en el proyecto arquitectónico de la sede de la ONU en Nueva York. Tras proyectar el edificio Copan  (Sao Paulo) en 1951, se consolidó como una personalidad única en la arquitectura mundial. En pleno auge de su prestigio, Kubitschek le encargó los principales edificios de Brasilia, la nueva capital de Brasil. En su país desarrolló proyectos emblemáticos como el Sambódromo de Río de Janeiro, el Memorial de América Latina de Sao Paulo, o el Museo de Arte Contemporáneo de Niterói. Fuera de Brasil llevó a cabo obras como el Museo de Arte Moderno de Caracas, la sede del Partido Comunista Francés, la de la Editorial Mondadori, la mezquita de Argel o el Centro Cultural de Le Havre. En la actualidad, Niemeyer desarrolla el Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer, que donó a la Fundación Príncipe de Asturias y que es su mayor proyecto en Europa. Tiene en su haber el Premio Pritzker de 1988 (algo así como el Nobel de Arquitectura) y el Príncipe de Asturias del año 89. Es autor de más de quinientas obras construidas en todo el mundo.

Sus principios arquitectónicos: la curva. Él lo define así: "Lo que me atrae es la curva libre y sensual. La curva que encuentro en las montañas de mi país. En las olas del mar. En el cuerpo de la mujer preferida. De curvas está hecho el universo" 

 

El ARTE de la FOTOGRAFÍA

El ARTE de la FOTOGRAFÍA

En la sección de enlaces de este blog, en los correspondientes a Rincón Creativo, he colocado uno correspondiente a un fotoblog llamado AL OTRO LADO DE LA RETINA, imprescindible para quienes gusten del arte de la fotografía y para todos aquellos que sepan apreciar la belleza captada a través de una cámara. Las fotos son de variada temática y relizadas con técnicas diversas en las que no entro por ignorancia. Además, a veces las acompaña de textos literarios de consagrados o propios (estupendos también) Para ser completamente sincera, he sido incapaz de elegir una sola entre tantas para ilustrar este post. Finalmente he colgado una de las que más comentarios ha suscitado. Vedlo vosotros mismos.

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Luis Bagaría, el arte y la política

Luis Bagaría, el arte y la  política

 La obra y la vida del caricaturista barcelonés Luis Bagaría (1882-1940) aparece hoy íntimamente ligada a algunas de las empresas periodísticas más importantes de los últimos años de la Restauración. Pero el dibujante no fue sólo el distintivo gráfico del semanario España o el diario El Sol. Hombre esencialmente político, Bagaría no se limitó a aplicar la capacidad de penetración del humor gráfico para aclarar el desarrollo del mundo contemporáneo, también quiso influir en el curso histórico de los acontecimientos mediante el poder de la imagen caricaturesca. Uno de los propósitos de este estudio es analizar las distintas funciones políticas que cobraron sus viñetas desde el estallido de la Primera Guerra Mundial hasta los últimos días de la Segunda República española. Además de este análisis, el presente libro desea ponderar la contribución de Bagaría a la renovación plástica española. Hijo del rico y agitado mundo cultural barcelonés de fin de siglo, el periodista catalán no sólo introdujo en Madrid la caricatura sintética, sino también un espíritu inquieto y renovador que vivificó el panorama artístico de la capital.

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