Supongo que así es para los cinéfilos documentados, pero esta comedia, basada en una obra de teatro que triunfaba en Broadway, es una delicia total. Conserva a pesar del tiempo (es de 1941) todo su encanto y su poder para provocar carcajadas.
Un reparto excelente encabezado por Cary Grant en el que figuran Josephine Hull y Jean Adair, como las adorables ancianitas, tías del protagonista, que, con la mayor naturalidad le confiesan a su sobrino Mortimer ser autoras de varios asesinatos por envenenamiento. Ellas también daban vida a estos personajes en el teatro.
Es divertidísimo ver cómo el pobre Mortimer va encajando como puede los descubrimientos y los acontecimientos delirantes que se suceden a lo largo de la comedia.
Bajo presupuesto, historia accidentada, escenarios limitados... Pero muchísimo talento y originalidad, y algún que otro guiño al espectador.
Una obra para ver mil veces y reír cada una de ellas como si fuera la primera.
Años 40. Se realiza y estrena una de las comedias más divertidas, tiernas y desenfadadas de la historia del cine: BALL OF FIRE.
La protagoniza una pareja que resultó ser perfecta para ello: Gary Cooper, en el papel del sesudo, ingenuo y tierno profesor, y una vivaracha Barbara Stanwyck interpretando a la cantante de cabaret más simpática, dicharachera y espabilada (y sentimental, en el fondo), que ha existido nunca.
Un momento mágico: el profesor necesita que la guapa cabaretera le explique lo que es yum-yum, y ella, solícita y complaciente, lo hace con una lección práctica. "Esto es un yum" (primer beso) "Esto es otro yum" (segundo beso) "Y esto es yum-yum" , y aquí el beso prolongado que acaba con las pocas defensas que le quedaban en pie al profesor.
Otro momento mágico: el pobre e inocente profesor corriendo escaleras arriba a remojarse la nuca con un pañuelo empapado en agua fría para contrarrestar los efectos que la apasionada cabaretera produce en su naturaleza.
¡Qué delicia de película!
El que os presento no es ninguno de esos momentos, pero también es mágico, señoras y señores, para ustedes.... DRUM BOOGIE
Soñando con lo imposible se marcaron una coreografía inmortal. Aun hoy, tantos años después, el que la vio la recuerda y el que, por pura razón cronológica, no pudo verla, la conoce.
Las bromitas de tío Alfred: a ver, el que no haya jugado a encontrarle (cual primigenio Wally), mientra veía alguna de sus películas, que levante la mano.
Confieso desde ya mi debilidad por el trabajo y la persona (lo que puede conocerse a través de la lectura de entrevistas y otros documentos) de este actor, hoy por hoy uno de los mejores del panorama cinematográfico. Ofrezco aquí una biografía extraída de su web oficial , a la que podéis acceder clikando en el enlace subrayado. Yo lo descubrí en la adaptación televisiva de LA REGENTA, y me fascinó su trabajo. Había leído varias veces la novela de Clarín y viendo a Carmelo Gómez, veía al auténtico Magistral Don Fermín de Pas, no se podía haber interpretado mejor y más fielmente un personaje.
Carmelo Gómez Celada nació en Sahagún de Campos (León) el 2 de enero de 1962. De padres agricultores, hasta los 18 años parecía claro que se iba a ganar la vida trabajando en el campo. Pero a esa edad, aprovechando la visita que le hizo a un amigo en Salamanca, se apuntó a un grupo de teatro de la ciudad y ya no se volvió a acordar ni del arado ni del tractor.
Dijo a su familia que volvía en tres días y tardó tres años, ya que de Salamanca partió directo a la capital donde ingresó en la Escuela de Arte Dramático. Empezó en el teatro de la mano de Miguel Narros y será él quien lo ayude a ingresar en el Teatro Nacional. Más tarde trabajará también en la Compañía Nacional de Teatro Clásico donde consiguió gran prestigio como actor.
Su debut cinematográfico se produce en 1986, ejerciendo de figurante en la película de Fernando Fernán Gómez, "El viaje a ninguna parte"; del mismo modo apareció en "Bajarse al moro" de Fernando Colomo. Sin embargo, no será hasta 1992 cuando le llegue su verdadera oportunidad, cuando el director Julio Medem le ofreciese el papel protagonista de su opera prima "Vacas". A partir de entonces mantendrán una estrecha colaboración y Carmelo Gómez aparecerá en casi todas las películas de Medem. En 1993 vuelven a trabajar juntos en "La ardilla roja" pero será la temporada siguiente, entre los años 1994-1995 cuando se dé una de las mejores etapas profesionales del actor leonés. En ese tiempo rodó "Días Contados" de Imanol Uribe, una película que será premiada con la Concha de Oro del Festival Internacional del Festival de Cine de San Sebastián, además de otras dos películas en las que tenía papel protagonista.
También es destacable en sus colaboraciones con la desaparecida Pilar Miró y el tándem formado con la actriz Emma Suárez con la que ha trabajado en numerosas ocasiones.
Su labor televisiva alcanzó su máximo exponente con la serie "La Regenta" dirigida por Fernando Méndez Leite, y adaptación de la magistral obra de Leopoldo Alas "Clarín".
Asimismo ha dirigido algún que otro documental. Entre sus premios destacamos el Goya al mejor actor por la película "Días Contados" en 1994, por la misma película obtuvo el Fotogramas de Plata como mejor actor en 1994 y el Ondas, concedido por la SER, como mejor actor en 1994, y el premio al mejor actor en 1995 concedido por la Unión de Actores. Ha conseguido también el fotogramas de plata al mejor actor por las películas "El perro del hortelano", "Tu nombre envenena mis sueños" y "Tierra"; también le ha sido concedido el Premio Nacional de Cinematografía dado por el Ministerio de Cultura, en 1995.
Rita, sensualidad en estado puro. Menos descarada que en PUT TO BLAME OF MAME, pero sensualidad al fin y al cabo. Cierto: NUNCA HUBO UNA MUJER COMO GILDA.
En una época en la que hacer películas sobre ciertos temas era arriesgado, había que buscar un motivo lo suficientemente poderoso para que tanto Tony Curtis como Jack Lemmon tuvieran que travestirse. Y la excusa fue realmente convincente: Huir de unos gangsters que les intentan matar por ser testigos de una matanza. De esta manera y para salvar sus vidas se ven obligados a vestirse de mujeres. ¿Qué mejor motivo se puede encontrar?.
La película estuvo nominada en un total de 6 categorías, pero solo obtuvo el Oscar correspondiente al mejor diseño de vestuario en B/N (para Orry-Kelly). El resto de nominaciones fueron: mejor director (Oscar para William Wyler por Ben Hur), mejor actor Jack Lemmon (Oscar para Charlton Heston por Ben Hur), mejor guión adaptado (Oscar para Neil Paterson por Un lugar en la cumbre), mejor dirección artística y decorados en B/N (Oscar para El diario de Anna Frank) y mejor fotografía en B/N Charles B. Lang (Oscar para William C. Mellor por El diario de Anna Frank).
Con faldas y a lo loco es la comedia de todas las comedias. En esta película tenemos una muestra de los distintos tipos de comedia que se han llevado al cine. Para comenzar podemos decir que bajo el aspecto de una comedia de situación (dos hombres disfrazados de mujeres que viven continuamente entre ellas) tenemos: por un lado la parodia (Tony Curtis imitando la forma de actuar de Cary Grant), por otro lado el humor típico de la comedia en el cine mudo (Jack Lemmon y Tony Curtis huyendo de los gangster en el hotel), además hay también diálogos dignos de las películas de los hermanos Marx, pondremos como ejemplo la conversación que mantienen Marilyn Monroe y Tony Curtis en el yate:
(En una de las paredes del yate hay colgado un trofeo de pesca, algo que parece ser un pez espada de unos 2 metros de largo).
M.M - ¿Qué pez tan bonito? ¿Qué es?
T.C - Es de la familia del arenque
M.M - ¿Un arenque? ¿No es increíble cómo meten peces tan grandes en esos tarritos de cristal?
T.C - En escabeche encogen bastante
Otro instante de la conversación es el siguiente:
M.M - ¡Y todas esas copas de plata!
T.C - Trofeos. Ya sabes, tiro al plato, crianza de perros, water-polo
M.M - ¿No es peligroso eso del water-polo?
T.C - Vaya si lo es. Ya se me han ahogado dos caballos
Incluso tenemos un claro homenaje a la secuencia del camarote de los hermanos Marx (Una noche en la ópera), cuando la litera asignada a Jack Lemmon en el tren se llena de mujeres que acaban yéndose todas al suelo cuando Lemmon tira del freno de emergencia.
Y para concluir, aunque con más atrevimiento, como le gustaba a Wilder, encontramos también un acercamiento al cine de Lubitsch (al final de la película Tony Curtis aún disfrazado de mujer besa a Marilyn Monroe, quedándose alucinadas tanto Marilyn como la directora de la orquesta que lo ve todo; escena regida por lo que se ha denominado toque Lubitsch, o sea ocultar a uno o varios de los personajes de la película un hecho que es conocido por los espectadores, para conseguir la complicidad entre el espectador que conoce todos los detalles, y la forma en la que está pensando el actor que no conoce aún esos hechos).
Tanto la dirección, como el guión, la fotografía y el montaje son realmente perfectos, y lo mismo sucede con los actores: la sobria actuación de Tony Curtis, la convincente interpretación de Marilyn Monroe como la ingenua Sugar Kane, y sobre todo la fantástica actuación de Jack Lemmon que quedará como una de las mejores en la historia de la comedia.
Billy Wilder comenzó su carrera en Hollywood como guionista en diferentes películas que hoy día no son muy conocidas, pero poco después colaboró en el guión de 2 grandes películas de Ernst Lubitsch: La octava mujer de barba azul y Ninotchka. Llegó incluso a intervenir en el guión de la magistral comedia de Howard Hawks, Bola de fuego.
Esta fue la segunda de las películas en las que Billy Wilder e I. A. L. Diamond confeccionaron conjuntamente el guión. Por fin Wilder había encontrado a alguien con un sentido del humor similar al suyo, lleno de diálogos con doble sentido, mucho sarcasmo y repleto de sorpresas, pero con capacidad también de firmar un drama tan demoledor como El apartamento. Colaboraron también en películas como: Uno, dos, tres; Irma la dulce, En bandeja de plata, La vida privada de Sherlock Holmes y Primera plana.
El papel que interpretó Jack Lemmon fue ofrecido en un primer instante a Frank Sinatra debido al interés por parte de la United Artists de tener a una gran estrella en el reparto, pero, por fortuna, con la contratación de Marilyn Monroe, Wilder tuvo vía libre para darle el papel a Lemmon. Esta unión entre Wilder y Lemmon se prolongó durante 7 películas.
Aula Crítica es un proyecto de Liliana (KINEPHILOS ) que por fin se ha realizado. Muchos de los amigos que visitáis este blog la conocéis. Conocéis, pues, su gusto exquisito a la hora de hacer crítica cinematográfica, tanto a la hora de ir "diseccionando" la película de la que nos hable como al redactar su crítica entendida y siempre interesante. Pues a través de este Aula Crítica, Liliana Sáez y algunos otros compañeros, igualmente cualificados por saber y por experiencia, nos ofrecen la posibilidad de aprender mucho sobre cine y crítica literaria. No dejéis de visitar este Aula.
Director: Otto Preminger Intérpretes: Gene Tierney, Dana Andrews, Clifton Webb, Vincent Price.
En la ciudad de Nueva York, una mujer llamada Laura Hunt (Gene Tierney) ha sido asesinada. El detective Mark McPherson (Dana Andrews) se hace cargo del asunto, siendo sus primeras tareas el interrogatorio de dos posibles sospechosos: un periodista llamado Waldo Lydecker (Clifton Webb) y Shelby Carpenter (Vincent Price), el prometido de la fallecida.
Probablemente el mejor título del director vienés Otto Preminger y una de las historias más fascinantes del cine negro de los años 40. Iniciada por Rouben Mamoulian, la película centra el misterio en torno al personaje femenino que da título al film, una mujer que obsesiona a todos los hombres que se acercan a su personalidad y figura, desde el sentimiento necrófilo del policía encargado de la investigación, hasta el sincero entusiasmo amoroso de un seductor gigoló de refinado porte, pasando por la ofuscación paranoica de un maduro y celoso escritor, lleno de agudeza y cultura, que se verá arrastrado por una malsana perturbación pasional.
Preminger maneja la película con soltura y elegancia, refinamiento en la puesta en escena y tensión en la construcción del suspense.
Un magnífico guión con unos ingeniosos diálogos (de esos que jamás escucharemos en el cine moderno) y la espléndida fotografía del gran Joseph LaShelle (que consiguió su único Oscar con este título), dotan al relato de un hálito enigmático, que alcanza su máxima pináculo con la aparición cuasi fantasmal de la bellísima Gene Tierney junto al cuadro que preside el salón en donde transcurre casi toda la acción.
Además de enmarcarse dentro del thriller clásico, con las características de ambientación urbana y relente como definición de la psique de unos personajes ambiguos y una perturbada trama, atmósfera taciturna, intervención de la femme fatale como motor del asunto o utilización narrativa del flashback, "Laura" es una intensa película romántica, con los celos y la obsesión como principal mecanismo temático.
Gilda no es mala, Gilda es el pecado de la carne hecho mujer. A Gilda sólo le mueven dos emociones: el amor y el odio. Pero ambos con una pasión inusual, desmesurada. Una combinación peligrosa a la que se une el despecho. Por despecho, Gilda finge ser lo que no es. Por despecho, Gilda se dedica a enloquecer de deseo a todo varón que la mira lujurioso. Gilda no es mala. Gilda sólo es una mujer de emociones concentradas que por despecho finge serlo. Gilda es toda corazón: ama y odia hasta el extremo. Y el objeto de esas tres emociones eje de sus actos es Johnny Farrell, la horma de su zapato. La famosa bofetada... Qué relación la de estos dos personajes...
A Gilda la convirtió en mala el concepto de pecado de los censores de postguerra. Y la convirtieron en un mito erótico. Pero hoy, más allá del mito y de la lujuria, Gilda sería una pobre mujer enamorada que sufre en la misma medida que hace sufrir.
Bellísima Gilda, pecadora, incitadora al pecado de la lujuria, Gilda eterna , yo te comprendo.
De la maravillosa Vacaciones en Roma, otro momento mágico: el periodista lleva a la princesa ante la Boca de la Verdad y finge, para susto de la ingenua Ana, que la Boca le ha devorado la mano.
La anécdota: todo fue una broma de Gregory Peck. No estaban en el guión ni el fingimiento ni el susto consiguiente. Pero quedó tan bien, que la toma se dio por buena y se incluyó en el montaje final, para delicia de todo el que vea esta agridulce y preciosa comedia.
Thelma Ritter nació en Brooklyn, Nueva York el 14 de febrero de 1905. Después de aparecer en obras de teatro juveniles, recibió clases de interpretación en la American Academy of Dramatic Arts. La primera película de Ritter fue "De ilusión también se vive" (1947), en un papel de mujer madura, pintoresca y de sabrosa franqueza, un estereotipo que supo pulir hasta la perfección. A lo largo de su carrera, Ritter fue nominada seis veces a los Oscar, aunque nunca recibió ninguno. Por este hecho, junto con Deborah Kerr, es la actriz que más veces ha sido nominada a un Premio Oscar de interpretación y nunca lo ha ganado. En 1954 co-presentó la ceremonia junto al actor Bob Hope.
Quizás los papeles más recordados de Ritter sean el de enfermera de James Stewart "La ventana indiscreta" (1954) y el de la devota criada de Bette Davis en "Eva al desnudo" (1950).
Poco después de aparecer en The Jerry Lewis Show en 1968 Thelma Ritter murió de un ataque cardiaco.
Filmografía:
Éstas son algunas de sus películas más destacadas
Apártate, cariño (1963)
La conquista del Oeste (1962)
El hombre de Alcatraz (1962)
Vidas rebeldes (1961)
Confidencias de medianoche (1959)
Papá, piernas largas 1955)
La ventana indiscreta (1954)
Titanic (1953)
Eva al desnudo (1950)
De ilusión también se vive (1947)
Fue candidata al Oscar a la mejor actriz secundaria por
"El hombre de Alcatraz" donde interpretaba a la madre de Burt Lancaster.
"Confidencias a medianoche" por su papel de asistenta de Doris Day.
"Manos peligrosas" una de sus escasas incursiones en papeles dramáticos.
" Con una canción en mi corazón".
"Casado y con dos suegras".
"Eva al desnudo".
Éstas son suscandidaturas a los Globos de Oro
"Boeing 707", "Casado y con dos suegras" y "Eva al desnudo"
También fue candidata a lospremios Emmyde televisión por su interpretación en el episodio "The Catered Affair", de la serie "Goodyear Television Playhouse".
Sí obtuvo por fin un premio, elTony de Teatro, por su actuación en el musical "New Girl in Town", el premio a la mejor actriz, junto con su compañera Gwen Verdon, en 1957.
Jaime V. ECHAGÜE entrevistaba para el número de hoy de La Razón a Carmelo Gómez. Reproduzco la entrevista porque vale la pena. Son las respuestas de un hombre lúcido, inteligente y sencillo.
-Hoy se estrena «La noche de los girasoles», un «thriller rural». Usted, que siempre presume de ser de campo, ¿le ha evocado muchos recuerdos? -Sobretodo que está muy olvidado. Si el voto es rural sigue siendo un voto seguro, nadie luchará por ellos. Y tenemos la osadía de ir allí de vacaciones. Mi padre dice algo curioso: «Os lleváis el dinero de aquí, porque los tontos de los padres les mandan las nóminas a los hijos para pagarles los pisos de la ciudad». Y es verdad. -Aparte está la dureza del trabajo... -Me han venido todos los recuerdos de cuando trabajaba con mi padre. Los rigores del calor, la falta de agua... Lo duro que es eso no lo sabe nadie. Es horrible. -¿Qué tiene el «thriller» que parece que acompleja a los directores españoles? -Es un género lleno de prejuicios y hay comparaciones. No está inventado por nosotros: si se produce un crimen en España es un acontecimiento extraordinario, pero en Nueva York es uno más. Por eso esta película me gusta: no es género, es realista. A un muerto no te lo puedes quitar de encima nunca. -Le perdimos la pista durante un tiempo hasta «El método». ¿Dónde ha estado metido? -No me han dado trabajo. Han sido tres años de paro. Cobrándolo, que lo sepa el Estado (ríe). -¿De verdad estuvo en el INEM de cuerpo presente? -¿No estamos en un régimen general? Pues eso. Hice cola en el INEM y ahí he estado durante una temporada muy larga de mi vida hasta que me dijeron: «Ya ha agotado usted su paro». Lo pasé mal. -¿Por qué cree que no tenía hueco? -Es el azar. De repente te encuentras con que no encajas con lo que se hace en ese momento. Ahora vuelvo, creo que ayudado por el teatro, y parece que con fuerza. Imanol Uribe y Gonzalo Suárez me llamaban para trabajar en sus películas. Y si ellos no ruedan, yo lo tengo crudo. Esa es la realidad. -De todas formas siempre ha sido muy crítico con nuestro cine. Una vez comentó que imitaba a la televisión. -A la mala televisión (ríe). Eso decía Woody Allen sobre la vida. He visto al cine español en una gran crisis, intentando crear un producto televisivo para captar a un público que irremediablemente se iba de las salas. Ahora las televisiones son productoras y ellas ponen las condiciones. -Vamos, que la televisión sólo en el salón de su casa. Aun así triunfó con «La Regenta». -Pero eso era una serie de cine. Entre el cine y el teatro no puedo distinguir, pero si metemos la televisión sí, clarísimamente. Marca una estética y una forma que no tienen nada que ver con lo que percibo. Si regreso es porque necesite el dinero, jamás por gusto. -Ni dándole lo que parece que quiere, el público ve cine español. ¿Es un caso perdido? -Faltan guionistas y una política que obligue a un nuevo enfoque. Que el cine esté más comprometido con la calle y dejarse de tópicos. Es cine para adolescentes. ¿Por qué han desaparecido Saura, Camús...? Eran nuestro patrimonio. Este leonés de 44 años abandonó pronto el campo porque lo suyo era interpretar. Trabajó en una pequeña compañía de teatro hasta que decidió probar suerte en los escenarios de Madrid: en «La Regenta» y «El sueño de una noche de verano» ya desplegaba esa personalidad atormentada que, como él mismo reconoce, le ha encasillado. Su interpretación de un etarra en «Días contados», por la que obtuvo un Goya, le abrió las puertas del cine. Próximamente le veremos en «La carta esférica», a las órdenes de Imanol Uribe.
Durante la pre-producción de PSICOSIS, Hitchcock dijo a la prensa que estaba considerando a Helen Hayes para el papel de Madre. Esto era evidentemente un truco de Hitchcock para despistar, pero muchas actrices le escribieron solicitándole una prueba para el papel.
Hitchcock tenía una silla con el rótulo "Mrs. Bates" en la parte trasera, que no dudaba en colocar en los sets de rodaje con el fin de aumentar la confusión acerca de quien sería la actriz que interpretaría a la Señora Bates.
De b&n y espejos, podría llamarse también este artículo, ya que son dos de los recursos simbólicos de los que se vale Hitchcock para reforzar en la pantalla la presencia del bien y del mal.
Dos ejemplos de lo que digo:
1-En la escena inicial Marion lleva un sujetador blanco por órdenes de Hitchcock, que quería mostrarla como un ser "angelical". Después de robar el dinero volvemos a verla en sujetador, en el motel, pero en esta ocasión es negro ya que ha hecho algo malo y diabólico. Pasa lo mismo con su monedero. Antes de robar el dinero es blanco y despues negro.
2-Siempre que vemos el reflejo de alguien en el espejo es que está haciendo algo deshonesto (cuando Marion cuenta el dinero robado en el baño de la gasolinera, o Sam y Lila se registran bajo nombres falsos). Hitchcock muestra dos lados de la personalidad de los personajes.
Año 1938: se estrena una de las comdias más alocadas y geniales del cine, LA FIERA DE MI NIÑA . Cary Grant y Katharine Hepburn son una pareja dispartada que protagoniza uno de los momentos más hilarantes del cine de todos los tiempos. El vestido de ella roto por culpa de la torpeza del galán, y la consiguiente escena cómica que está entre los momentos mágicos del cine: el torpe científico intentando por todos los medios a su alcance que el incidente pase desapercibido y nadie pueda verle la ropa interior a la díscola dama... Pura magia cinematográfica.
