Cajón desastre |
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Se muestran los artículos pertenecientes al tema Arte. La obra de Weston es una continua búsqueda y esconde un ser inquieto y apasionado con su trabajo. Al contemplar una obra de arte quizá uno de los primeros requisitos que valoramos es que nos provoque sensaciones, buenas o malas, pero que nos provoque y, a ser posible, que nos revele detrás de su técnica un signo de identidad . Y esto es lo que experimentamos cuando percibimos por primera vez una obra del artista José Sanz . Es un artista difícil de contextualizar. Constantes en su obra son las texturas rugosas con relieve, la técnica mixta, la composición (en toda su obra puede percibirse una sutil simetría), el uso de objetos recuperados y reciclados que Sanz Sala no se limita a plasmar tal y como los encuentra, sino después de un proceso de armonización para integrarlo en el cuadro; y, sobre todo, el color. Ésta, según se aprecia en toda su obra, es una característica que lo define. Hablar de Norman Foster es hablar de exploración arquitectónica. Es un arquitecto que nunca se repite, en cada edificio trata de desarrollar nuevas ideas. Basa su trabajo en la exploración de nuevos campos y posibilidades técnicas, y nuevos materiales. "Los edificios están hechos para solucionar necesidades materiales, urgencias reales, pero también deben alimentar el espíritu. Un buen edificio debe cumplir la vertiente práctica y la sublime" Este profesional, que ha recibido más de trescientos premios por su trabajo, ha realizado proyectos en cuarenta y ocho países, entre ellos España. De él son el Metro de Bilbao, el Palacio de Congresos de Valencia y la Torre de Telecomunicaciones de Collserola. Su próximo proyecto en España, en el que ya trabaja, es la Torre Repsol, en los terrenos del actual estadio Santiago Bernabeu. Tres sustantivos definen su labor, según los expertos: elegancia, tecnología, perfección. SERENITY es un grabado de la artista británica Melissa Mailer-Yates, hecho con la técnica giclée. Es una artista que cultiva el estilo figurativo y recibe gran influencia de los interiores impresionistas; concede gran importancia al tratamiento de la luz. La inspiración de sus trabajos es el poder, la belleza y el milagro de la feminidad. Melissa Mailer-Yates ha realizado encargos para la Reina de Inglaterra, la Princesa de Arabia Saudita, y Betsy Bloomingdale entre otros. Esto es lo que la propia artista dice de su trabajo:“Mis obras más tempranas se centraban más en calidades abstractas, retratando emociones intangibles, mientras mi trabajo actual es más material. Es importante sentir y compartir los sentimientos. La caricatura que ilustra este post es obra de Michel Casado, ilustrador y caricaturista novel y autodidacta que ya ha recibido un merecido premio otorgado en la VIII Bienal de Caricatura de Ourense. A través de sus caricaturas, y siempre con un punto de humor, Michel nos da su particular visión de personajes que le inspiran, tan diferentes y distantes como Valle-Inclán y Clint Easwood, por ejemplo. Por ahora, para disfrutar de sus dibujos, podéis visitar sus blogs, Ilustraciones y otras hierbas , donde muestra algunos de sus trabajos en este campo, y en Caricaturas y otras hierbas , cuyo título deja claro el contenido sin necesidad de añadir más. Sí se debe mencionar una peculiaridad de sus caricaturas: en ocasiones, más que buscar el parecido en los rasgos, lo busca en la pose, en la actitud, en el gesto, y lo consigue. Con esta caricatura en concreto, nos da su particular visión del artista M. C. Echer, una visión ciertamente original que a mí me ha gustado mucho. Inés Rodríguez es una arquitecta reconocida, nacida en Barcelona en 1963. Sus trabajos se desarrollan en áreas diversas e íntimamente relacionadas: arquitectura, interiorismo, rehabilitación y diseño. Entre las prioridades de esta profesional, el orden, el sentido común a la hora de diseñar espacios adaptados a las necesidades del cliente, el confort y la creatividad. Es una arquitecta que ha trabajado mucho el loft, cuya esencia define así: "No depende de los metros, sino de que una vivienda se viva como un ambiente amplio, holgado, fluido, donde pueds cambiar un sofá de sitio sin que la casa se altere". Es decir, un espacio que admita cambios. Litografía sobre Papel Guarro, obra del maestro catalán Joan Brossa , considerado como uno de los más vanguardistas y prolíficos autores de éste país. Joan Brossa nació en el barrio barcelonés de San Gervasio un 19 de enero de 1919, hijo único de un grabador y una cantante de zarzuela retirada de los escenarios. Su padre lo inició en la pasión por el teatro y las artes escénicas desde su más tierna infancia. Sin embargo, su muerte acabó llevando a un pequeño Brossa bajo la influencia de la familia de la madre, tradicional y conservadora, que muy pronto le buscó una educación clásica. Brossa siempre aborreció de las escuelas y colegios. Consideró que eran una estafa, que sólo inculcaban "cultura de opereta", y siempre se opuso a ellas. "Las cosas importantes se aprenden, pero no se enseñan", dijo una vez. En cualquier caso, en julio de 1936 tuvo que dejar la escuela de manera forzosa. Con sólo 17 años, Joan Brossa fue movilizado por el Ejército Republicano para hacer frente a los 'nacionales', y lo trasladaron a Lleida. Y fue precisamente en el campo de batalla donde comenzó su carrera literaria. Al principio sólo eran notas, apuntes biográficos, impresiones del frente. Poco después, los mandos le pidieron un texto para animar a los compañeros. Todas estas cuartillas y escritos formarían parte, años más tarde, del libro Trenta Divisió, publicado en 1950. Acabada la guerra, a Brossa le toca hacer el servicio militar, como a tantos republicanos cuya experiencia y años en combate fueron deliberadamente ignorados. Acabado el servicio militar, Brossa está plenamente integrado en la intelectualidad vanguardista. Fuertemente influido por Freud, se dedica a componer a partir de asociaciones libres de imágenes de sueños, denominadas "imágenes hipnagógicas". En estos primeros trabajos vanguardistas, Brossa introduce elementos claramente teatrales, y se preocupa por el absurdo cotidiano. Lleva el surrealismo hacia temáticas populares, pero no pierde de vista un horizonte político reivindicativo y progresista que le acompañará toda su vida. Colaboró en la fundación del grupo “Dau al Set” junto a Tàpies, Cuixart, Ponç y Puig. Empezó en el neosurrealismo y después se movió en una línea de reflejo de la realidad y de poesía experimental y visual. Esta capacidad de experimentación será importantísima durante los años 1960 y 1975, en que Brossa da el salto a la poesía visual. Se trata de un período clave en su vida, puesto que comenzará a colaborar con artistas de la talla de Joan Miró o Antoni Tàpies. Brossa desarrolla su concepto lúdico y participativo de la poesía, que encuentra su máxima expresión en la experimentación con objetos. Se trata de eludir las limitaciones del lenguaje escrito, para acceder a un nivel de representación simbólica ilimitada. Así, la poesía puede ser una escultura, un cartel, una acción. Durante la Transición, Brossa reprende su poesía políticamente comprometida, pero la normalización de la vida democrática, posteriormente, lo lleva cada vez más hacia la plástica. Así, la obra de Brossa comienza a alejarse paulatinamente de lo literario para adentrarse cada vez más en lo experimental. Una exposición en la Fundació Miró de Barcelona, en 1986, será decisiva. El enorme éxito que obtiene abre las puertas a nuevas instalaciones, nuevos objetos y una nueva etapa de fecundidad creativa en la vida del poeta. Sus poemas en forma de esculturas llegan a la calle: en Barcelona destacan el Poema Visual Transitable, en el velódromo de la Vall d'Hebron; la Barcino, en la plaza de la catedral; el "Antifaz" de la Rambla... Son estos últimos años de su vida una interminable cascada de reconocimientos. Su contribución a la poesía, al teatro, al cine y a las artes plásticas comienza a ser conocida y comprendida por el mundo artístico español, así como por el público en general. Su obra ya se sitúa en el marco que le corresponde: la de uno de los más prolíficos y tempranos vanguardistas de este país. Bibliografía Esencial: - Glòria Bordons. Introducción a la poesia de Joan Brossa. Barcelona, 1988 Escultura de alambre de acero, original del popular escultor español Héctor Goyanes. Sus obras, principalmente realizadas en alambre de acero, están dotadas de esa liviandad que les otorga su apariencia característica de dibujo en tres dimensiones. Nada ocultan sus esculturas, ni si quiera el paisaje; todo es transparente, todo se puede ver a través de ellas. Serigrafía y Collage sobre Cartón-pluma Obra Gráfica original de Edición Limitada del Reconocido artista español Juan Genovés, una de las figuras clave del realismo crítico-social de los años 50. Su visión le hace realmente particular; la figura humana es siempre protagonista, tanto en su presencia como en su ausencia e incluso en sus sombras, en las que reside toda la carga onírica de la angustia existencial. Parte de un enfoque fotográfico que recuerda a la frialdad del Pop. Parece pintar siempre desde el mismo lugar, pero variando la perspectiva del motivo, el cual se transforma constantemente. Con este cambio de perspectiva nos acerca o aleja de la escena, para buscar el movimiento de las masas guiadas por la inteligencia colectiva, obrera, que da trascendencia al sin sentido de la experiencia individual y que hace evidente la soledad, la manipulación y la injusticia a la que está expuesto el ser humano. Genovés critica la cultura de masas que fomenta la competitividad, el consumismo, la individualidad y la pérdida de valores sociales. Expresivo en la utilización de formatos y materiales pictóricos en contraste con la contundencia del tema. Simbolista en la composición y los ritmos. Cuestiona constantemente la libertad del hombre en la sociedad actual así como la suya propia dentro de su producción. En sus últimas obras la espacialidad parece remitir a un vacío inspirado en los sueños que invita a una reflexión de la mirada y de una realidad inestable y pasajera. Es uno de los artistas a los que se le ha reconocido más internacionalmente que a nivel nacional. Participante en numerosas bienales como la II Bienal Hispanoamericana de La Habana, III Bienal Hispanoamericana de Barcelona, Bienal de París, la World Fair de Nueva York, etc, se celebró una importante retrospectiva de su obra en el IVAM en l994. Obra original de la artista emergente, de estilo FIGURATIVO, Barbara James. Se trata de un gliclée, de edición limitada. En su obra nos presenta una serie de paisajes idílicos, muchos de ellos costeros, realizados con bandas planas de colores brillantes, de los que nos llegan oleadas de optimismo que nos recuerda a la corriente Naïf. Aunque de muy niña recuerda su amor por los colores y la pintura, Bárbara encontraba muy complicada su vocación, y no consideró realmente la posibilidad de una carrera en el mundo de las artes hasta que comenzó a participar en el diseño de modas, a la vez que completaba su formación en Música, Danza y Teatro. Fue entonces cuando retomó su pasión por la pintura, empujada por los ánimos de su profesor. Tras la Universidad, Bárbara James desarrolló su carrera en los medios, especialmente en la televisión, donde ha realizado programas durante la mayor parte de su vida profesional. A finales de los años noventa, decidió retomar la pintura al óleo, y muy pronto llegó a ser la finalista del concurso nacional de Artist & Illustrators magazine. Una grave enfermedad la mantuvo alejada de su trabajo, lo que, por otro lado, le permitió concentrarse más a fondo en su pasión por la pintura, y es entonces cuando comienza a vender y exhibir sus obras en galerías locales. Ahora que es una profesional de éxito, Barbara James declara que su viada artística ha sido “un viaje desde la escuela infantil, pero finalmente estoy consiguiendo sacar las pinturas de mi cabeza y ponerlas sobre el lienzo”. Así narra ella sus comienzos en la pintura: “Mi actividad comenzó a finales de los años sesenta. Mientras el resto del país estaba experimentado con substancias ilegales, yo estaba muy ocupada buscando uniones de colores brillantes y la anticipación de lo que podría hacer con ellos. Pero la euforia se convirtió muy pronto en decepción, al ver que cada sesión tan solo producía un confuso desastre. Los colores brillantes y las imágenes salvajes que llenaban mi cabeza no volaban hacia el papel. Era el equivalente artístico de un músico sordo”. Litografía y Collage Obra Gráfica de Edición Limitada de Christo, reconocido artista nortemaericano de origen búlgaro, cuyos sus objetos envueltos son algunos de los ejemplos más extremos del arte conceptual moderno. Entre 1951 y 1956 estudia en la Academia de Bellas Artes de Sofía y en 1957 se traslada a París, donde comienza a empaquetar pequeños objetos (botellas, revistas...) que con el tiempo adquieren mayor tamaño llegando a empaquetar una costa australiana y famosos edificios, también tapiza paisajes con azafrán o con sombrillas. Alcanza la fama con sus últimos trabajos que empaquetan temporalmente edificios enteros u objetos de gran tamaño. Algunas de sus obras son las Surrounded Islands, Valley Curtain, Biscayne Bay, Florida (Islas rodeadas, 1982), The Pont New Wrapped. En 1995 empaquetó el Reichstag, en Berlín. Christo introduce elementos absolutamente inusuales en el paisaje o llama la atención sobre el anonimato que la sociedad concede a sus edificios y monumentos. Su obra se encuentra en las más prestigiosas COLECCIONES y MUSEOS internacionales, entre ellos: Esta escultura lleva por título Ninfa; está realizada en chapa de hierro de 1,5 cms. de espesor y sus dimensiones son 66x16 cms. Está pintada a mano con laca. Es obra de Víctor Arrizabalaga, el mismo autor de Sobremesa , artista pop nacido en Baracaldo en 1957. http://clubcafeole.blogia.com/temas/el-cafe-y-el-arte.php Esta es una lista seleccionada de las EXPOSICIONES de la obra de Victor: 1992 Oscar Niemeyer, a sus 98 años, es el decano de los arquitectos en activo. La edad no ha podido con él, con su creatividad, son sus ganas de seguir trabajando en lo que le gusta, ni con su amor por la vida. Nacido en 1907, se convirtió en arquitecto en 1934. Rechazó desde el principio la arquitectura comercias y trabajó gratis en el estudio de Lúcio Costa y Carlos Leao, con ellos colaboró en el diseño del Ministerio de Educación y Salud. Gracias a ello conoció a Le Corbusier y viajó a Estados Unidos para participar en la construcción del Pabellón de Brasil en la Feria Mundial de Nueva York. A finales de los años 30, Juscelino Kubitschek, futuro presidente de Brasil, le encarga la construcción del distrito de Pampulha, en Belo Horizonte (era entonces alcalde de esta ciudad). Después participó en el proyecto arquitectónico de la sede de la ONU en Nueva York. Tras proyectar el edificio Copan (Sao Paulo) en 1951, se consolidó como una personalidad única en la arquitectura mundial. En pleno auge de su prestigio, Kubitschek le encargó los principales edificios de Brasilia, la nueva capital de Brasil. En su país desarrolló proyectos emblemáticos como el Sambódromo de Río de Janeiro, el Memorial de América Latina de Sao Paulo, o el Museo de Arte Contemporáneo de Niterói. Fuera de Brasil llevó a cabo obras como el Museo de Arte Moderno de Caracas, la sede del Partido Comunista Francés, la de la Editorial Mondadori, la mezquita de Argel o el Centro Cultural de Le Havre. En la actualidad, Niemeyer desarrolla el Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer, que donó a la Fundación Príncipe de Asturias y que es su mayor proyecto en Europa. Tiene en su haber el Premio Pritzker de 1988 (algo así como el Nobel de Arquitectura) y el Príncipe de Asturias del año 89. Es autor de más de quinientas obras construidas en todo el mundo. Sus principios arquitectónicos: la curva. Él lo define así: "Lo que me atrae es la curva libre y sensual. La curva que encuentro en las montañas de mi país. En las olas del mar. En el cuerpo de la mujer preferida. De curvas está hecho el universo" En la sección de enlaces de este blog, en los correspondientes a Rincón Creativo, he colocado uno correspondiente a un fotoblog llamado AL OTRO LADO DE LA RETINA, imprescindible para quienes gusten del arte de la fotografía y para todos aquellos que sepan apreciar la belleza captada a través de una cámara. Las fotos son de variada temática y relizadas con técnicas diversas en las que no entro por ignorancia. Además, a veces las acompaña de textos literarios de consagrados o propios (estupendos también) Para ser completamente sincera, he sido incapaz de elegir una sola entre tantas para ilustrar este post. Finalmente he colgado una de las que más comentarios ha suscitado. Vedlo vosotros mismos. La obra y la vida del caricaturista barcelonés Luis Bagaría (1882-1940) aparece hoy íntimamente ligada a algunas de las empresas periodísticas más importantes de los últimos años de la Restauración. Pero el dibujante no fue sólo el distintivo gráfico del semanario España o el diario El Sol. Hombre esencialmente político, Bagaría no se limitó a aplicar la capacidad de penetración del humor gráfico para aclarar el desarrollo del mundo contemporáneo, también quiso influir en el curso histórico de los acontecimientos mediante el poder de la imagen caricaturesca. Uno de los propósitos de este estudio es analizar las distintas funciones políticas que cobraron sus viñetas desde el estallido de la Primera Guerra Mundial hasta los últimos días de la Segunda República española. Además de este análisis, el presente libro desea ponderar la contribución de Bagaría a la renovación plástica española. Hijo del rico y agitado mundo cultural barcelonés de fin de siglo, el periodista catalán no sólo introdujo en Madrid la caricatura sintética, sino también un espíritu inquieto y renovador que vivificó el panorama artístico de la capital. Esta obra es una serigrafía del italiano Mimmo Rotella, nacido en Cantazaro en 1918. Se dedica fundamentalmente a la pintura y al collage y es uno de los artistas más influyentes del siglo XX Comenzó sus estudios de Arte en Nápoles, más tarde se mudó a Roma, donde no permaneció mucho tiempo: se enroló en las fuerzas armadas. En 1944, abandonó el ejército y se graduó en la Academia de Artes de Nápoles. Desde 1944 hasta 1945, impartió clases de dibujo en el Instituto de Aparejadores de su ciudad natal. En 1945 se mudó a Roma: siguiendo sus comienzos figurativos y primeras experimentaciones, elaboró un modo de expresión pictórica de raíz neo geométrica. En 1949 inventó “epistaltic”, que consistía en una serie de palabras (algunas inventadas), silbidos, sonidos, onomatopeyas. En el mismo años escribió su Manifesto, publicado en 1955. En 1951 tuvo su primer contacto con artistas franceses, posteriormente se mudó a Estados Unidos, allí creó una gran composición mural y grabó poemas fonéticos acompañado de instrumentos de percusión. En la Universidad de Harvard, en Boston realizó una performance de poesía fonética y grabó otras piezas para la Biblioteca del Congreso en Washington. Su viaje a Estados Unidos le ofreció la posibilidad de conocer a los protagonistas del panorama artístico del comento: Rauschenberg, Oldenburg, Twombly, Pollock y Kline. Tras su vuelta a Roma en 1953 experimentó una crisis durante la cual interrumpió su producción pictórica. Convencido de que todo en el arte ya estaba hecho, improvisó lo que él mismo definió como “Iluminación Zen”. El descubrimiento de los posters publicitarios como expresión artística, como el mensaje de la ciudad. Esto fue el origen del decollage, pegando trozos de posters arrancados de la pared sobre lienzo. Aquí, Rotella adoptó el collage como el usado por los cubistas, “contaminándolo” con dadaísmo, y cambiando el significado del objet trouvé. Más tarde continuó con el llamado “doble décollage”: el poster arrancado de la pared, y más tarde modificado en el estudio. En 1956 recibió el premio Graciano, y en 1957 el premio Battistoni e Della Pubblica Istruzione. Aunque en los cincuenta la crítica ya le reconocía como uno de los exponentes de la Nueva Pintura Romana, Rotella recibió los calificativos de “arrancapósters” o “el pintor del papel pegado”. En 1958 le visitó el crítico francés Pierre Restany, una entrevista que dio lugar a una larga amistad. La curiosidad del público por sus extravagancias, por su vida bohemia, cristalizó en 1960, con la película dirigida por Enzo Nasso dedicada a los Pittori arrabiati (pintores enfadados), y en la que Rotella dirigió la banda sonora. En 1960 se unió al grupo Nouveau Rèalisme (aunque no firmó su manifiesto), grupo en el que encontramos nombres como el de Klein, Tinguely, César, Spoerri, Arman y Christo. El grupo también incluía a artistas franceses dedicados al collage, como Hains, Villeglé y Dufrêne. Además de decollages, Rotella también creó assemblages de objetos comprados en desguaces y basureros: chapas de botellas, tapones, trozos de cuerda, de hilos de bramante, etc. El Po Art y el Expresionismo, llevados a Italia por Fontana y Burri, jugaron un papel importante en redireccionar la orientación pictórica de Rotella. En 1960 conoció a De Kooning y a Rothko en Roma. En 1972 publicó su autobiografía, titulada “Autorotella”. El “Plastiforme” fué creado en 1975, posters arrancados sobre un soporte de poliuretano, que les otorgaban tridimensionalidad. Durante los años ochenta elaboró sus “Blanks” o coperture d´affiches: carteles publicitarios, cubiertos con hojas de papel blanco, a modo de operación conceptual. En 1992 el Ministerio de Cultura Francés le otorgó el título de Oficial de las artes y las Letras. En 1999, el alcalde de su ciudad natal, Sergio Abramo, firmó una orden autorizando a Rotella a arrancar posters en Catazaro y sus alrededores. Zaha Hadid, arquitecta iraquí con residencia en Londres, es la única mujer que ha conseguido el premio Pritzker, algo así como el Nobel de la arquitectura; se lo otorgaron en el 2004. En su trayectoria profesional ha tenido que lidiar con obstáculos difíciles de vencer: la complejidad de sus diseños, su origen iraquí y el ser una mujer en un mundo, el de la arquitectura, dominado por hombres. En su haber se cuentan obras como el Centro Rosenthal de Arte en Cincinnati; el Laboratorio científico de Wolfsburg y el parque empresarial, en Alemania; la Terminal de Tranvías de Estrasburgo, por la que obtuvo el premio Mies van der Rohe al mejor edificio europeo. Actualmente está preparando para España la remodelación de la Plaça de les Arts, en Barcelona; el área de Zorrozaurre en Bilbao; y en Zaragoza construye un puente que ha de estar listo para la Expo 2008. Se confiesa admiradora de los arquitectos "más generosos y más modestos" y nombra entre ellos al brasileño Oscar Niemeyer y a Peter Rice. La imagen corresponde al Museo del Transporte de Glasgow Esta obra es un aguatinta de Willi Kissmer, pintor y artista gráfico alemán. De acuerdo con la representación clásica de la figura humana, Kissmer llena sus obras de sensualidad. Ha sido descrito como sensual, provocador, misterioso y erótico. A través de la manipulación de los claroscuros, es capaz de transmitir valores táctiles a su pintura. Estudió grabado, litografía y Bellas Artes en Folkwangschule, Essen Esta es una lista seleccionada de las EXPOSICIONES de la obra de Willi Kissmer: 1997 1996 1995 1994 1993 Estos estupendos dibujos que vi en el blog Noticias de un Espía en el Bar, son obra de Alberto, aunque por ahora no puedo daros más información, sí quería mostrároslos porque me han fascinado: la perfeccion del trazo (especialmente las manos), la inquietante temática, la técnica empleada. Tal vez Canichu quiera aportar la información que posee al respecto. Desde aquí, Canichu, te invito a hacerlo. Gracias. Les Anges es un glicée de Keith Mallet perteneciente a una serie de la que también forman parte Les Sirens, y, ampliando criterios, obras en las que aparece una sola figura femenina de este mismo estilo, como La Seductrice, Enigmatique, etc. Para Keith Mallett la pintura es un viaje espiritual. No sólo es pintor sino también ceramista. Tiene obras de estilo figurativo, pero también pinta abstracto y still life. De esta obra me ha gustado la estilización de las figuras y la fuerza de ese esquematismo que le lleva a eliminar el detalle de los rostros, con lo que consigue, en aparente contradicción, una mayor expresividad con la actitud de las figuras femeninas y con el uso del color. Esta escultura de chapa de hierro que lleva por título ADÁN SIN COSTILLA, es obra del artista uruguayo multidisciplinar Pablo Bruera. De nuevo el arte de sugerir mediante el uso de las formas. Esta obra que Raúl Mora ha realizado con técnica mixta es la que más me ha gustado de este pintor. Para saber más sobre Mora y su obra, pulsar aquí. Me gustan los tonos, la forma en que se insinúan sin un trazo deliberadamente claro la mano y el rostro tras un cristal empañado en el que esa mano sugerida va dibujando o tal vez escribiendo. Es una pintura muy sugerente. Esta escultura de Victoria Camacho, presenta personajes en varillas de hierro sobre una plancha de hierro curvada. Acabado con pintura acrílica y envejecido con betún de Judea. Tiene un diámetro de un metro y una profundidad de 30 cms. Victoria Camacho nació en Quito el 25 de julio de 1961. Se graduó en la Facultad de Artes de la Universidad Central del Ecuador (especialización grabado escultura). Ha realizado innumerables exposiciones colectivas e individuales y producido esculturas monumentales que se encuentran en parques y espacios recreativos de la Capital y de otras ciudades del país. Me ha encantado su forma y ligereza. Para ver más obras de la artista, pulsar aquí. Este grabado de la artista catalana Encina Verdial López está realizado con nuevas tecnologías. La artista aplica el plotter o trazador sobre un tablero de kapafix para conseguir esta obra cuyas dimensiones son 1m de alto/70cm de largo. La impresión que a mí me causa es que sería la portada ideal para una revista dedicada al mundo de las Artes y del Diseño Industrial. Licenciada en Bellas Artes por la Facultat de Belles Arts Sant Jordi, de Barcelona, ha participado en interesantes proyectos y exposiciones. Otras obras suyas realizadas con esta misma técnica son CONVERTIDO EN ARTE y MOMENTOS URBANOS. Éste es el nombre con el que se conoce ahora el aparcamiento de Vázquez de Mella, en el madrileño barrio de Chueca. Tras observar el lazo rojo solidario, de grandes dimensiones, situado sobre la rampa de acceso, el visitante, al entrar en la primera planta, puede leer en una pared, en un rótulo luminoso de color rojo, la frase "Amor que ama obliga al que es amado, me ata a tus brazos, con placer tan fuerte, que, como ves, ni a un muerto me abandona", que figura en la obra "La Divina Comedia", de Dante Alighieri. También llama la atención la combinación de pinturas del suelo y que cada plaza dispone en altura de un sensor de color verde que cambia a rojo cuando la plaza es ocupada por un vehículo, de esta forma un conductor puede ver mejor dónde hay un espacio libre para aparcar, al tiempo que se reduce la contaminación en el interior del recinto, porque así los coches tienen que dar menos vueltas para estacionar. Se añadieron otras novedades como las distinciones de acceso a la planta pública y a las plantas de residentes; las cámaras de grabación en todo el espacio; se cambió el sentido de la circulación para agilizar el flujo de vehículos; los servicios públicos, también adoptaron un diseño innovador al ubicarse junto al puesto de control; y se instaló un lector óptico para controlar las matrículas de los coches de rotación. El remodelado aparcamiento de la Plaza Vázquez de Mella sigue la línea característica de los trabajos de Sapey: estética, funcionalidad, color, ARTE . Teresa Sapey, la arquitecta italiana afincada en España desde hace quince años, lanzó un reto a Pablo Couto, consejero delegado del Grupo Silken, gestor del Hotel Puerta de América: "¿Si encuentro un sitio me lo dejas hacer?" Teresa estaba interesada en participar en el proyecto pero como ella misma dice, "no estaba invitada ni prevista" Couto aceptó el reto y Sapey encontró el sitio que necesitaba: el aparcamiento. Y realizó un aparcamiento colorista con señalización a base de iconos de movimiento que indican la salida y que están compuestos por fragmentos de la poesía de Paul Éluard "La Libertard" En su línea de aunar estética y funcionalidad, utiliza el color para imprimir expresividad, pero también para facilitar la función; de nuevo en palabras de la propia arquitecta: "El aparcamiento del Hotel Puerta de América es el más seguro del mundo: en caso de pánico la salida se encuentra en segundos, por el tamaño del grafismo y las indicaciones del color" Esta obra está realizada en plástico y metal y sus dimensiones son: Esto es lo que el propio escultor dice de ella: Artista multidisciplinar y escultor, Ronald Moll enfoca principalmente su obra hacia el efecto visual que produce la luz artificial En 1989 estableció su propio taller en Ilfracombe, Devon, en el sur de Inglaterra, donde continúa viviendo y trabajando. Estudió escultura en las escuelas de Arte de Barnstaple y Cheltenham desde 1984 hasta 1988. Ha expuesto individualmente en la Galería Lankern, Ilfracombe, y ha ganado numerosos premios nacionales de escultura. Escultura de luz siete consigue transmitir a quien la contempla la misma fascinación por la luz que siente el artista. Mi recuerdo de la Dama de Elche se remonta al curso académico 1981/82, en el que realizamos una excursión al Museo Arqueológico de Madrid. Hasta entonces sólo había visto a la Dama en los libros de Ciencias Sociales. Me impresionó en primer lugar su pequeño tamaño (en los libros parecía mucho más grande) y luego su perfección y el detalle con que está trabajada la piedra. DIMENSIONES: 56 cm de altura PROCEDENCIA: La Alcudia (Elche) MATERIAL: Caliza con restos de pintura LOCALIZACIÓN: Museo Arqueológico Nacional (Madrid) CRONOLOGÍA : S. V a.C. La Dama de Elche fue encontrada en 1897 en el yacimiento alicantino de la Alcudia (Elche). En la actualidad es imposible hablar del mundo ibérico sin mencionar esta escultura. A finales del s. XIX la cultura ibérica se encontraba sin catalogar, esta escultura ayudó a dar una personalidad propia a la cultura ibérica, establecer unos ciertos cánones que, aunque identificados con el mundo mediterráneo comenzaban a configurar arte ibérico y permitían hablar de una etapa cultural definida como Ibérica. Es un busto de 56 centímetros de altura, aunque es posible que fuera segmentado de una estatua de cuerpo entero, prueba de ello es el corte irregular y brusco del plano inferior. Está realizado en caliza porosa de tonos ocres, y conserva restos de color, sobre todo el rojo de los labios y de algunas zonas del ropaje. Se halló casualmente en 1897, en un escondrijo hecho con losas, adosado a la muralla, al este de la ciudad de Elche; no era el lugar donde hubo de estar originariamente, sino una ocultación para librarlo de algún peligro. Según lo poco que ha podido saberse del contexto arqueológico, se hallaba en un nivel tardío, quizá romano republicano. Las circunstancias, por tanto, no son las mejores para facilitar la interpretación de la pieza. Recién descubierta, fue adquirida por el hispanista francés Pierre Paris y llevada al Louvre, de donde regresaría en 1941. Esta imagen fue identificada con Apolo-Mithra por Pedro Ibarra en 1897, frente a la identificación femenina que es la aceptada generalmente, aunque algunos investigadores hablaban de un individuo andrógino. Otra doble interpretación surgió a la hora de establecer su carácter humano o divino, identificación con una sacerdotisa o una diosa de ultratumba. Ante interpretaciones tan opuestas sólo podemos admitir una cierta ambigüedad que permite abrir múltiples registros interpretativos. La imagen presenta un rostro aristocrático de rasgos finos; con la mirada entornada y realzada por la pasta vítrea de los ojos, hoy perdida, pero que en su momento enfatizaría su mirada DESCRIPCIÓN: Busto que representa a una Dama ricamente ataviada, con joyas que nos hacen recordar las halladas en el Tesoro de Aliseda, como por ejemplo el collar portaamuletos. Todo está representado hasta el más mínimo detalle, incluso la pequeña fíbula anular que sujeta la túnica interior, sobre el collar que lleva un jarroncito, una fíbula que en un primer vistazo no se ve.El manto exterior se abre en pliegues triangulares para que se puedan ver todas las joyas que lleva la Dama. Uno de lo elementos que más destacan de la escultura son los rodetes que enmarcan el rostro. De ellos, aunque mucho más sencillos, tenemos otra muestra en otra Dama que se halla en el museo de Alicante. Finalmente está coronada con un tocado que en su parte superior y posterior conserva policromía (rojo, blanco y azul) . Va vestida con tres prendas: una fina túnica abrochada con una diminuta fíbula anular, sobre ella un vestido que se ve terciado sobre el pecho, y, por encima de todo, un manto de tela gruesa, cerrado algo más abajo del borde conservado, y por arriba abierto forzando una especie de solapas de plegado muy anguloso. El manto exterior se abre en pliegues triangulares para que se puedan ver todas las joyas que lleva la Dama. Prueban de sobra los tocados que el griego Artemidoro se entretuvo en describir, cuando aquí estuvo en torno al año 100 a. C., como propios de las damas ibéricas.Un velo se introduce bajo el manto, una funda sobre él, que debía de ser de cuero, se ajusta al cráneo, y además de servir de soporte a filas de esferillas que adornan el borde sobre la frente, cumple la finalidad de dar sujeción a los dos enormes estuches discoidales que enmarcan el rostro, del que lo separan unas placas decoradas con volutas y con colgantes terminados en perillas, que caen sobre las clavículas; un tirante de extremos abiertos pasa sobre la cabeza, sujeto a los discos, para impedir que se abrieran más de lo conveniente. Pero lo más atrayente de esta Dama son, sin duda, sus ojos almendrados, frente a los ojos redondos del resto de las Damas ibéricas; un tratamiento completamente diferente que nos recuerda a las Korai griegas. Las cejas apenas marcadas y la pupila que debería de ser de otro material. Los detalles llegan hasta sus últimas consecuencias en este busto tanto, que incluso encontramos restos de policromía en los labios. En la parte posterior del busto encontramos una oquedad cuya función ha sido definida como contenedora de las cenizas y restos quemados del difunto, hecho este que no se ha podido comprobar realmente ya que le busto se encontró descontextualizado en 1897 por el Dr. Campello, pero que no dudamos de que ésa era su función. Según Langlotz, sus facciones recuerdan los de las figuras femeninas del templo de Hera en Selinunte, en particular los de la misma Hera de una de las metopas, a lo que ha añadido.A. Blanco la suposición de que pudiera ser obra de un griego o un ibero formado en los talleres sicilianos de Siracusa o la misma Selinunte. Su fecha de realización puede situarse en la primera mitad del siglo V a. C. Ya se ha dicho que el tocado de la Dama no es del todo insólito: más mesurado, o más humano, se documenta a menudo en las esculturas de orantes del Cerro de los Santos o en las figuritas broncíneas de los santuarios. Fecha: 1943 Características: Óleo sobre lienzo, 74x111,8 cms. Ubicación: Wilmington, Delaware Art Museum Un cuadro en el que juega un papel primordial la luz. Los tonos grises, azulados y blancos con |
Obra original del artista británico emergente,Drew Darcy. El artista crea obras muy sofisticadas y con un estilo propio. Influenciado por artistas como Gerhard Richter, Francis Bacon o Edgard Hopper, Darcy aporta una visión muy moderna en sus obras. Su obra es emintentemte FIGURATIVA, y en ella predomina una intención de capturar momentos determinados en el tiempo, manteniendo un gran sentido de movimiento y realismo. 
